Un pene en el torno de alfarero y un baño en residuos plásticos

Un monstruo se yergue en el escenario casi vacío. A veces retumba como si rocas cayeran de una montaña, a veces la estructura se congela en un monstruo de tres cabezas dormido, o estalla en un movimiento fluido, extendiéndose como una medusa en el agua.

En el final de la emocionante pieza de danza "¿Quién es?", con la que la compañía franco-catalana Baro d'evel inauguró el Theaterspektakel de Zúrich el jueves por la noche, la enorme bola de retazos de tela se alza como un muro gigantesco. Con la fuerza elemental de una ola, este muro de agua se estrella contra el público, retrocede, se alza de nuevo y vuelve a rodar por el escenario, rugiendo y arrasándolo todo.

Cadáveres son arrojados a la playa y tragados por el agua con la siguiente ola. Entonces, el mar regurgita residuos plásticos de sus fauces, sin cesar y cada vez más, hasta que finalmente una inmensa masa de botellas de PET se extiende por el escenario. De repente, algo se agita en su interior. ¿Es un brazo? ¿Una cabeza? También hay movimiento en otra parte; allí podría ser una pierna. Y poco a poco, una persona emerge de la basura, luego otra, y finalmente más y más. Todo el grupo de baile.

Acurrucados, el grupo desesperado busca rescate. Pero están a merced de las olas, zarandeados. Solo gradualmente los cuerpos lanzados se unen para formar un todo, sus movimientos se coordinan, y del caos surgen secuencias de pasos y figuras de danza. La fuerza elemental no tiene la última palabra; el arte prevalece.

Es una búsqueda constante, un flujo y reflujo incesante en la pieza visualmente impactante que los dos autores, la francesa Camille Decourtye y el español barcelonés Blaï Mateu Trias, escribieron y coreografiaron para su compañía. "¿Quiénes somos?", preguntan. En el centro de esta investigación se encuentra el individuo como parte de un todo mayor. En variaciones siempre cambiantes, la coreografía explora, por lo tanto, la tensa relación entre el individuo y el grupo. La pregunta de qué es un ser humano no puede responderse aquí más que explorando lo que es dentro del colectivo.

Lo que finalmente culmina en escenas dramáticas comienza con una comedia slapstick sumamente cómica. Una hilera de jarrones se coloca sobre pedestales al borde del escenario. Un bailarín torpe tira uno y lo rompe. Luego, se llevan arcilla y un torno de alfarero al escenario para reemplazar el atrezo destruido.

Pero al primer contratiempo le sigue un segundo. En lugar de un jarrón, un falo crece hacia arriba del trozo de arcilla, y el bailarín alfarero debe realizar movimientos de mano bastante precisos para mantenerlo en posición vertical. Al final, ni siquiera eso ayuda; la pieza superior se le sale de la mano.

Solo después de este preludio frívolo y entretenido, toda la compañía entra al escenario, alineada como para un retrato grupal frente al monstruo rocoso. Y, una vez más, se desata la comedia: el suelo empieza a temblar. ¿Son arenas movedizas o jabón lo que se extiende bajo los pies de los bailarines? En cualquier caso, pierden el equilibrio gradualmente; uno resbala y apenas es atrapado, luego otro bailarín cae al suelo. Y pronto toda la compañía se encuentra en un estado de extrema excitación. Hay empujones y caídas, gritos, levantamientos y caídas, hasta que cuerpos sobre cuerpos yacían en el escenario.

Los empujones y las caídas a veces tienen aspectos bastante agresivos. En el caos del movimiento, es imposible distinguir quién es lanzado deliberadamente al suelo y quién arrastra inadvertidamente a otros al caer. Solo entonces una mano agarra a la otra, dos se abrazan en una danza, y el tumulto se unifica en una coreografía ingeniosa y poesía acrobática.

Así como la multitud indomable se transforma en un colectivo durante la danza, el individuo también experimenta una metamorfosis. Primero debe descubrir quién es antes de poder formar parte de un todo. En una de las primeras escenas, los bailarines colocan los jarrones alineados al borde del escenario boca abajo sobre sus cabezas. Usando la arcilla aún maleable, realizan una encarnación cautivadora, completando, por así decirlo, la historia bíblica de la creación. Se crean agujeros para los ojos y la boca, se forman las orejas, y las mascaradas inicialmente indistinguibles se transforman gradualmente en cabezas de personajes confusos y macabros.

Una vez más, el caos de estas metamorfosis culmina en una escandalosa pelea. Y, una vez más, no está exenta de agresividad, gritos y empujones; los bailarines incluso se manchan la cara de barro con sangre. Uno adopta la pose de líder, y al principio todos lo respetan, hasta que empieza a gritar y finalmente se limita a rugir. Entonces lo expulsan y el grupo se cierra tras él.

Aquí tampoco es la última palabra. El marginado encuentra el camino de regreso. De hecho, toda la producción insiste en que la realidad no es fatalista, sino cambiante.

Los residuos plásticos finalmente se retiran, dejando la mayor parte como memento mori. Sin embargo, la apoteosis de la danza y la poesía triunfa sobre el apocalipsis. Esto solo parece menos descarado porque la protesta contra el fatalismo, contra la parálisis del miedo y el terror, se fundamenta en lo tragicómico. Ahí reside la magia de esta pieza: es melancólica e ingeniosa, abre abismos y muestra salidas, pero sobre todo, confía en el poder indestructible de un lenguaje corporal.