Um pênis na roda do oleiro e um banho em lixo plástico

Um monstro paira sobre o palco quase vazio. Às vezes, ele ruge como se pedras estivessem caindo de uma montanha, às vezes a estrutura congela e se transforma em um monstro adormecido de três cabeças, ou então ele irrompe em movimento fluido, espalhando-se como uma medusa na água.

No final da emocionante peça de dança "Qui som?", com a qual a companhia franco-catalã Baro d'Evel abriu o Theaterspektakel de Zurique na noite de quinta-feira, a enorme bola de retalhos de tecido se ergue como uma parede maciça. Com a força elementar de uma onda, essa parede de água se choca contra o palco em direção à plateia, recua, se ergue novamente e rola pelo palco mais uma vez, rugindo e arrasando tudo.

Cadáveres são jogados na praia e engolidos novamente pela água com a próxima onda que se aproxima. Então, o mar regurgita resíduos plásticos de suas mandíbulas, implacavelmente e cada vez mais, até que finalmente uma imensa massa de garrafas PET se espalha pelo palco. De repente, algo se agita lá dentro. Seria um braço? Uma cabeça? Em outro lugar, também, há movimento; ali poderia ser uma perna. E, gradualmente, uma pessoa emerge do lixo, depois uma segunda, e finalmente mais e mais. Todo o grupo de dança.

Amontoados, o grupo desesperado busca resgate. Mas estão à mercê das ondas, jogados de um lado para o outro. Só gradualmente os corpos arremessados se unem para formar um todo, seus movimentos se coordenam e, do caos, emergem sequências de passos e figuras de dança. A força elemental não tem a palavra final; a arte prevalece.

É uma busca constante, um fluxo e refluxo incessantes na peça visualmente poderosa que os dois autores, a francesa Camille Decourtye e o espanhol nascido em Barcelona, Blaï Mateu Trias, escreveram e coreografaram para sua trupe. "Qui som?", "Quem somos nós?", perguntam eles. No cerne desta pesquisa está o indivíduo como parte de um todo maior. Em variações em constante mudança, a coreografia explora, portanto, a relação tensa entre o indivíduo e o grupo. A questão do que é um ser humano não pode ser respondida aqui de outra forma senão explorando o que ele é dentro do coletivo.

O que culmina em cenas dramáticas, na verdade, começa com uma comédia pastelão. Uma fileira de vasos é colocada em pedestais na beira do palco. Um dançarino desajeitado derruba um deles, que se quebra. Argila e uma roda de oleiro são então trazidos ao palco para substituir o adereço destruído.

Mas o primeiro contratempo é seguido por um segundo. Em vez de um vaso, um falo cresce para cima a partir do pedaço de argila, e o dançarino ceramista precisa agora realizar movimentos de mão bastante precisos para mantê-lo em pé. No final, nem isso ajuda; a peça de cima salta (ou espirra) de sua mão.

Somente após esse prelúdio frívolo e divertido é que toda a trupe entra no palco, alinhada como se fosse um retrato em grupo diante do monstro rochoso. E, mais uma vez, a palhaçada se instala: o chão começa a tremer. É areia movediça ou sabão que se espalha sob os pés dos dançarinos? Independentemente disso, eles perdem gradualmente o equilíbrio; um escorrega e mal consegue se segurar, então outro dançarino cai no chão. E logo toda a trupe se encontra em um estado de extrema excitação. Há empurrões e quedas, gritos, levantamentos e quedas, até que corpo sobre corpo se deitam no palco.

O empurrão e a queda às vezes têm aspectos bastante agressivos. No caos do movimento, é impossível distinguir quem está sendo deliberadamente jogado ao chão e quem está inadvertidamente arrastando os outros consigo enquanto caem. Só então uma mão agarra a outra, duas se abraçam em uma dança, e o tumulto se unifica em coreografia artística e poesia acrobática.

Assim como a multidão indisciplinada se transforma em um coletivo na dança, o indivíduo também passa por uma metamorfose. Ele precisa primeiro descobrir quem é antes de se tornar parte de um todo. Em uma cena inicial, os dançarinos colocam os vasos alinhados na borda do palco, de cabeça para baixo, sobre suas cabeças. Usando a argila ainda maleável, eles então realizam uma encarnação cativante, completando, por assim dizer, a história bíblica da criação sobre si mesmos. Buracos para olhos e bocas são criados, orelhas são formadas, e as máscaras inicialmente indistinguíveis gradualmente se transformam em cabeças de personagens confusas e macabras.

Mais uma vez, o caos dessas metamorfoses culmina em uma briga barulhenta. E, mais uma vez, não sem agressões, gritos e empurrões; os dançarinos chegam a sujar o rosto de barro com sangue. Um deles se lança na pose de líder, e todos o respeitam a princípio, até que ele começa a gritar e, finalmente, apenas ruge. Então, ele é expulso – e o grupo se fecha atrás dele.

Aqui, também, a palavra final não é definitiva. O rejeitado encontra o caminho de volta. Toda a produção, aliás, insiste que a realidade não é fatal, mas sim mutável.

O lixo plástico é finalmente removido, restando a maior parte como um memento mori. No entanto, a apoteose da dança e da poesia triunfa sobre o apocalipse. Isso só parece menos flagrante porque o protesto contra o fatalismo, contra a paralisia pelo medo e pelo terror, se baseia no tragicômico. É aí que reside a magia desta peça: ela é melancólica e espirituosa, abre abismos e mostra saídas, mas, acima de tudo, confia no poder indestrutível de uma linguagem do corpo.