Opening van het Luzernfestival: zijn open einden echt open?

Er zat ook een detective in het publiek. Maar geen echte. De Zwitserse acteur Pasquale Aleardi, bekend als inspecteur Dupin in de verfilmingen van de misdaadserie Jean-Luc Bannalec, woonde samen met talloze andere beroemdheden de opening van het Lucerne Festival bij. Dit veroorzaakte opschudding onder zijn fans en zette hen ertoe aan hun telefoon te pakken – maar ironisch genoeg paste het ook bij de gelegenheid. Deze avond riep allerlei vragen op, en een beetje detective-intuïtie kon geen kwaad om ze te beantwoorden.

Op de openingsdag in Luzern staat niet alleen het sociale evenement centraal, maar ook het centrale thema van het betreffende zomerseizoen. Dat wordt voor het eerst aan het publiek gepresenteerd, in woord en geluid. De woorden bleven dit keer echter vaag. Wat zou het motto "Open Einde" kunnen betekenen? Festivaldirecteur Michael Haefliger en voorzitter van de stichtingsraad Markus Hongler wilden blijkbaar niet te snel iets verklappen. Ze draaiden liever om het onderwerp heen en strooiden vrolijk met een paar veelzeggende termen als "afscheid", "toekomst", "herinnering" en "nieuw begin", wat aanvankelijk vragende blikken opleverde in de KKL.

De welkomsttoespraak van bondsraadslid Albert Rösti maakte de zaken er niet duidelijker op. Namens de kantonregering bedankte hij de artistiek directeur voor zijn werk in Luzern – zoals bekend draagt Haefliger eind dit jaar, na 26 seizoenen, de leiding van het festival over aan Sebastian Nordmann . De minister van Verkeer en Communicatie weigerde echter in te gaan op het motto. In plaats daarvan herinnerde hij aan de geschiedenis van de Luzern-festivaltraditie, die in 1938 werd opgericht; gedurende die geschiedenis stonden er "steeds nieuwe namen" aan het roer van de instelling – "net als in de politiek", grapte Rösti.

Aha, een hint, denkt de denkbeeldige onderzoeker in het publiek – "Open End" betekent eigenlijk continuïteit. Zelfs en juist in tijden van verandering. En beweerde Haefliger aan het begin niet brutaalweg dat het niet zozeer om zijn persoonlijke afscheid van het festival ging? Allemaal min of meer doelbewuste afleidingsmanoeuvres. Het doel om bezoekers te sensibiliseren voor de ambiguïteit van het motto is echter bereikt. In werkelijkheid draait het de komende weken tot en met 14 september om een paradox: de vraag hoe te eindigen zonder te eindigen. Of, in theatertaal, hoe het doek te laten vallen zonder het publiek te laten denken dat alles gezegd is.

Een paradox als festivalmotto – dat is nieuw en aantrekkelijk, maar ook een intellectuele uitdaging. Gelukkig maakte het muziekprogramma op de openingsavond het idee veel levendiger dan de sprekers. "Open eindes" zijn immers altijd een centraal thema in de muziek geweest. En niet alleen in beroemde fragmenten zoals Mozarts Requiem of Schuberts "Unfinished", maar ook in werken die voltooid zijn, dat wil zeggen, die er aan de buitenkant "af" uitzien. In Luzern wordt de weg gewezen door een compositie van Pierre Boulez, medeoprichter en eerste directeur van de Festivalacademie, aan wie ter gelegenheid van zijn 100ste geboortedag een speciale aandacht wordt besteed.

Het ensemblestuk "Mémoriale (... explosante-fixe... Originel)", uitgevoerd door fluitist Jacques Zoon samen met acht collega's van het Lucerne Festival Orchestra, neemt materiaal uit een ouder werk, werkt het verder uit en kleedt het in zekere zin opnieuw aan. Het is muziek over muziek, heel typerend voor Boulez, wat duidelijk maakt dat een compositorisch idee niet altijd één enkele, eeuwig geldige manifestatie hoeft te hebben; talloze andere creatieve interpretaties zijn denkbaar.

Dit idee vormde ook de basis voor het hoofdwerk van het openingsconcert, Gustav Mahlers Symfonie nr. 10, die Riccardo Chailly en het Lucerne Festival Orchestra (LFO) voor het eerst sinds 2016 in het KKL uitvoerden. Het vijfdelige stuk uit 1910 is een fascinerende torso. Mahler schetste de symfonie van de eerste tot de laatste maat, maar voltooide deze nooit in een partituur. Daarom zijn er tot nu toe minstens zeven uitvoeringsversies gemaakt, die elk Mahlers rijke materiaal op een geheel eigen manier verwerken – bijvoorbeeld door de instrumentatie aan te vullen – en het zo speelbaar te maken voor een groot orkest. Chailly koos voor de bekendste en nog steeds meest overtuigende bewerking, de "Performing Version" van Deryck Cooke.

Maar wat horen we: is dat echt Mahler? Deze vraag kan je de ruim tachtig minuten durende voorstelling lang bezighouden. Temeer daar Chailly's interpretatie de muziek met de LFO, die tot het uiterste gedreven maar ook buitengewoon geëngageerd is, merkbaar scherper maakt. Zozeer zelfs dat het op sommige plaatsen radicaler en progressiever klinkt dan alles waarmee Schönberg en zijn leerlingen tegelijkertijd het muzikale modernisme inluidden.

Maar Chailly, naast Simon Rattle al jaren de meest gepassioneerde voorstander van dergelijke complete uitvoeringen van de Tiende symfonie, heeft met deze compromisloze lezing duidelijk een plan in gedachten: hij wil het gekoesterde beeld van Mahler als louter een doodzoekende laatromanticus aan het einde van een tijdperk doorbreken. In plaats daarvan portretteert hij hem als een visionaire expressionist die naar de toekomst kijkt.

Dit is inderdaad een nieuw perspectief, een perspectief dat niet toevallig terug te vinden is in Rattles interpretaties van Mahlers late werken. En ook vanavond wordt het op een andere manier grondig door elkaar geschud. De intense emotionaliteit van de uitvoering, die voelbaar is bij Chailly en de musici, verraadt dat alle betrokkenen zich ook bewust zijn van de ontroerende biografische achtergrond van de muziek.

Het is al lang bekend dat de Tiende een bijna noot-voor-noot verslag is van de levenscrisis die Mahler in de zomer van 1910 doormaakte als gevolg van de affaire van zijn vrouw Alma met de toekomstige Bauhaus-oprichter Walter Gropius. Pas onlangs is ontdekt dat het echtpaar Mahler, wanhopig over de situatie, mogelijk zelfs heeft overwogen om samen gif te gebruiken .

De discussie of men dergelijke privé-achtergrondinformatie over een muziekstuk moet kennen is terecht, maar in het geval van de Tiende is die zinloos. Het avant-gardistische karakter van het werk kan in veel details alleen worden verklaard door de uitzonderlijke persoonlijke omstandigheden. Chailly illustreert de omvang van de crisis op zijn eigen manier: vóór de Tiende dirigeert hij Mahlers Rückert Lieder in een kamermuzikale, verfijnde interpretatie met mezzosopraan Elīna Garanča, wier expressie eveneens geïnternaliseerd is.

Garanča zingt deze liederen op een dromerige, bijna afstandelijke manier. Alleen in "Liebst du um Schönheit", centraal in de cyclus, laat ze onwrikbare emotie doorschemeren. Dit lijkt bijzonder passend in de context van het programma: het betoverende liefdeslied was een geschenk aan Alma vanaf de begindagen van hun huwelijk. Acht jaar later waren de rollen omgedraaid; er was geen toekomst meer voor het huwelijk. Maar Gustav Mahler componeerde muziek die desondanks ver vooruitwees naar de toekomst en de muziekwereld nog steeds bezighoudt. Een memorabele versie van "Open End".