I migliori film del Festival di Cannes 2025 di cui tutti parleranno

In quello che potrebbe essere definito un punto di svolta per l'autore turco-tedesco di La sposa e lo sposo , il classico Amrum di Akın segue un bambino sull'omonima isola tedesca negli ultimi giorni della Seconda Guerra Mondiale. Lui è Nanning (Jasper Billerbeck, un talentuoso esordiente), un bambino oppresso cresciuto da una madre nazista, indottrinato dall'ideologia della Gioventù Hitleriana contro la sua volontà. Ma mentre scopre lentamente la propria bussola morale, si rende conto che è sempre stata lì per aiutarlo a distinguere il bene dal male. Strutturato come una favola oscura ma aggraziata che segue Nanning attraverso l'isola alla ricerca di beni di prima necessità per sfamare la madre, Amrum (scritto da Hark Bohm e basato sui suoi ricordi) diventa un atto di generosità nel presentare una di queste buone azioni altruistiche. È una visione silenziosamente toccante.

Temete la furia esplosiva di una neomamma insoddisfatta che vive in campagna e godetevi una delle migliori interpretazioni di Jennifer Lawrence. Dopo Causeway (2022), è ancora un'esperienza impareggiabile vederla abbracciare gli angoli più liberi e rischiosi del cinema indipendente, quel genere alla Winter's Bone che ci ha fatto innamorare di lei fin dall'inizio. Selvaggio, selvaggio e meticolosamente progettato, Die, My Love di Lynne Ramsay, l'originale e feroce Die, My Love, mette a dura prova Lawrence e Robert Pattinson, mentre interpretano con sensualità e senza limiti una coppia feroce. Il clamore di Cannes lo ha definito un "film sulla depressione post-partum", ma questa definizione incompleta travisa la verità al centro del film di Ramsay. Die, My Love è sia una bruciante dissezione della coppia, sia un'ode cinematografica a ogni donna indomabile in contatto con il suo cuore pieno di desiderio e la sua mente irritabile – donne che vogliono tutto ciò che vogliono senza scuse.

Vivere negli Stati Uniti, sempre divisi, e assistere ad alcuni dei peggiori istinti del Paese riguardo al bigottismo negazionista della scienza può far impazzire. Nel suo seguito all'inebriante odissea nella psiche umana di Beau is Afraid , Ari Aster trasforma la follia americana di tutti i giorni in uno dei film apocalittici più artisticamente completi e compulsivamente avvincenti dell'anno. È perspicace, gloriosamente folle e spesso molto divertente. (Forse è ora di riconoscere che il senso dell'umorismo di Aster è acuto quanto il suo talento per l'horror.) Il suo Eddington è sia il film definitivo sul COVID che una sorta di western moderno, che culmina in un finale superbamente diretto e gradualmente inquietante. Ormai un pilastro di Aster, Joaquin Phoenix è prevedibilmente sensazionale qui nei panni dello sceriffo corrotto della sua città. Così come Pedro Pascal, nel ruolo del suo principale avversario.

Il bellissimo film di Hermanus del 2022, Living, è stato un capolavoro di tenera compostezza, e lo stesso si può dire del suo impeccabile cast con Paul Mescal e Josh O'Connor, che ha diretto una storia d'amore discretamente epica tra due giovani musicologi sullo sfondo della Prima Guerra Mondiale. Mentre il modo pratico in cui Hermanus tratta l'amore e il desiderio tra i due uomini come se fossero dati per scontati in un film d'epoca è discretamente radicale, ciò che rende The History of Sound speciale è la sua intramontabile classicità. La sua portata che abbraccia i continenti e il suo viaggio attraverso i suoni e le note musicali unici dell'antica musica americana (la colonna sonora è di una bellezza struggente) ti trasportano nelle pagine di un grande romanzo perduto, fino al meritatissimo finale del film, in stile Espiazione . Negli anni '90, ci capitava spesso di assistere a questo tipo di film di prestigio, colto ma accessibile. Oggi, sembra un piacere raro poterselo godere.

È stato un evento storico per Jafar Panahi tornare a Cannes di persona per la prima volta dal 2003. Il maestro iraniano, spesso preso di mira dal regime iraniano, arrestato per anni e bandito dal cinema, non ha mai smesso di sfidare il suo governo attraverso opere innovative come This Is Not a Film (2011). Rilasciato dal carcere nel febbraio 2023, Panahi ora firma uno dei suoi film migliori e più personali fino ad oggi, che segue un gruppo di persone comuni mentre cercano di capire se l'uomo che hanno catturato sia effettivamente colui che le ha torturate in prigione. Inizialmente un thriller di vendetta, poi un'ampia e dignitosa analisi di nozioni come vendetta, perdono, moralità e chiusura, il meritevole vincitore della Palma d'Oro di quest'anno offre una squisita argomentazione per aggrapparsi alla nostra cara umanità, qualunque siano le circostanze.

Film vissuti con tanta anima e osservati in modo così intimo come The Little Sister sono difficili da trovare. Guidato da una performance straordinariamente sicura di sé di Nadia Melliti (vincitrice del premio come Migliore Attrice quest'anno al festival), la meditazione discreta di Herzi è un piccolo dramma paziente e compassionevole su una ragazza musulmana praticante a Parigi, che esplora i ritmi della sua città piena di possibilità, scopre la sua nascente identità di lesbica e cerca di conciliare i suoi bisogni e desideri con gli insegnamenti della sua religione. Tra i migliori successi del film risiede il rifiuto assoluto di Herzi dei cliché. Laddove un film di qualità inferiore avrebbe sfruttato il cliché della famiglia musulmana conservatrice (di cui questo critico musulmano ne ha abbastanza), The Little Sister crea una splendida scena madre-figlia in cui l'amore incondizionato è profondamente sentito e sprigiona un'energia profondamente universale.

Come sarebbe un film di rapine con Kelly Reichardt? La risposta la troverete nell'abbagliante piccolo film di successo The Mastermind , una sorta di commedia drammatica delicata e meravigliosa, animata dallo spirito del cinema anni '70 (ma sobria e senza fronzoli). Josh O'Connor interpreta in modo toccante e subdolo un ladro d'arte in una cittadina del New England, allo stesso tempo sfortunato e ostacolato da una serie di decisioni sbagliate. Con una colonna sonora deliziosamente jazz che esalta l'umorismo idiosincratico del film, The Mastermind è un nuovo gioiello americano, e forse il film più commerciale di Reichardt.

Primo film nigeriano mai presentato a Cannes, l'impressionante debutto di Davies Jr. racconta una storia agghiacciante che si svolge in un solo giorno del 1993, seguendo un padre perlopiù assente (l'incredibile Ṣọpẹ́ Dìrísù) nel suo viaggio da una cittadina rurale a Lagos con i suoi due giovani figli che lo idolatrano. Sullo sfondo delle elezioni presidenziali del Paese, l'introspettivo film d'esordio di Davies Jr. è un'accurata analisi dei contrasti: la violenza contrapposta all'umanità, il malcontento sociale in contrapposizione ai momenti di gentilezza e cordialità condivisi dalla famiglia, e una meraviglia infantile in contrapposizione alle circostanze terribili. Il film è anche un ritratto a più livelli della mascolinità nera, sia vista con adorazione attraverso gli occhi dei giovani personaggi del film, sia portata con compostezza poetica da Dìrísù.

L'elegante lettera d'amore di Linklater all'epoca influente del cinema francese (che ha persino ispirato la generazione della New Hollywood) sarebbe un'impresa colossale anche se si limitasse a invitare generosamente i cinefili in erba alla storia del cinema senza intimorirli. Ma l'autore americano dai ritmi sciolti e dai dialoghi fluidi e organici ottiene molto di più con la sua gioiosa e splendida narrazione della realizzazione del rivoluzionario Fino all'ultimo respiro di Jean-Luc Godard. In uno splendido bianco e nero, e con la granulosità del suono dell'epoca, dà nuova vita al film d'epoca, rendendolo romantico, squisitamente dettagliato e senza tempo. Con le interpretazioni avvincenti e incredibilmente esigenti di Guillaume Marbeck e Zoey Deutch nei panni di Godard e Jean Seberg, l'elenco dei maestri onorati dalla Nouvelle Vague (François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda e altri) è ricco quanto il film che li circonda. Linklater ama questo periodo e vuole che anche tu diventi il ​​suo amante.

"Dolce" probabilmente non sarebbe la prima parola che verrebbe in mente per una storia d'amore BDSM. Eppure, questa parola riassume perfettamente Pillion , il nuovo film dell'esordiente sceneggiatore e regista Harry Lighton. Vivendo con i suoi genitori amorevoli e comprensivi, il giovane ragazzo di Harry Melling, immediatamente amabile, cerca di comprendere l'intero spettro della sua identità di uomo gay, mentre (per usare le parole del film) un "incredibilmente bello" Alexander Skarsgård interpreta un motociclista incallito che diventa oggetto di attrazione per Melling. Ci sono scene di sesso spinto, episodi di dinamiche violente, leccate di stivali e altre immagini scioccanti in tutto Pillion , realizzate senza timore dai due attori. Ma grazie alla delicata linea tonale, Lighton cammina radiosamente con sentimento e umorismo all'interno di una sottocultura, tutto ciò passa in secondo piano rispetto alla storia di formazione profondamente risonante e disarmante che è il cuore del film.

Un debutto formidabile che porta atmosfere da thriller in un campo estivo maschile di pallanuoto, The Plague pone domande attuali su bullismo, mascolinità in erba e spirito sportivo. Utilizzando ingegnosamente i tratti distintivi del genere horror, questo film brillantemente scritto inizia come una sorta di conclave tra ragazzi preadolescenti (con tanto di telecamera che insegue incessantemente e colonna sonora altalenante), per poi stabilizzarsi in un'inquietante indagine sui timori esistenziali dell'adolescenza maschile. Everett Blunck è meraviglioso nei panni del ragazzo appena vittima di bullismo, contagiato da una piaga simbolica e misteriosa, così come Joel Edgerton, con il suo limitato spazio sullo schermo come allenatore dei ragazzi. Ma il vero colpo di scena è il principale tormentatore del campo, interpretato da Kayo Martin in un'interpretazione che annuncia l'arrivo di una futura star del cinema.

Il film più avventuroso e formalmente ambizioso del concorso di quest'anno (e anche uno dei più belli della sezione), il seguito di Bi Gan a Lungo viaggio verso la notte, sembra di essere dentro un sogno. E come un sogno, è difficile rendergli giustizia con le parole, e forse ancora più impossibile da classificare. Una narrazione fluida ma a capitoli ci accompagna in un viaggio instabile attraverso la storia del cinema, con cenni ai suoi diversi stili, epoche e maestri come Méliès e Murnau, mentre il film si reinventa in modo emozionante a ogni passo. Le star Jackson Yee e Shu Qi sono continuamente sorprendenti, e il capolavoro che culmina in Resurrection è un'impresa toccante che ispirerà le generazioni future.

Quest'anno non vedrete un thriller politico migliore del film di genere ultra-chic di Filho, vagamente nello spirito di un film di Costa-Gavras. Sulla scia del capolavoro brasiliano vincitore dell'Oscar lo scorso anno , I'm Still Here , questo è un altro film strepitoso ambientato sullo sfondo traumatico della dittatura del paese. Visto di recente in Civil War , Wagner Moura offre un'interpretazione profondamente enigmatica nel suo ritorno al cinema brasiliano nei panni di un uomo della tecnologia degli anni '70 che cerca di ricongiungersi con suo figlio in una piccola città, mentre degli assassini si avvicinano lentamente a lui. Con una sceneggiatura agile e gradualmente inquietante che traccia le tracce di una misteriosa gamba mozzata tra le enclave corrotte del passato straziante di un paese, The Secret Agent è destinato ad avere un forte impatto durante tutta la stagione dei premi (dopo aver già vinto premi per la migliore regia e il miglior attore a Cannes). Bonus: adorerete tutti i colpi di scena ben calibrati e i riferimenti cinematografici nostalgici che includono Lo squalo .

Probabilmente avrete sentito dire che la cantante Charli XCX ha definito la prossima stagione "Estate Joachim Trier", una frase immortalata da Elle Fanning con l'elegante T-shirt che indossava a Cannes. Beh, chiamiamola anche "Stagione dei Premi Joachim Trier", dato che il suo film profondamente riflessivo sul trauma generazionale e la guarigione familiare attraverso l'arte e il cinema sta per fare scalpore sulla scia del suo amato "The Worst Person in the World" . Riunendosi con la sua star di "Worst Person in the World" Renate Reinsve – che interpreta un'attrice febbrile e tormentata dal passato – e dando a Stellan Skarsgård uno dei ruoli che hanno segnato la sua carriera come regista impassibile alla guida di un progetto personale non convenzionale, "Trier" racconta una storia commovente e inaspettatamente piena di umorismo che vi spezzerà prima di ricomporvi. Potreste percepire tracce di Čechov e accenni alle migliori qualità della trilogia di Oslo del regista, e lasciare il film con una ritrovata gratitudine per tutto ciò che il cinema può fare.

Il futuro del realismo sociale britannico nel cinema appare più promettente che mai, grazie al debutto alla regia dell'attore Harris Dickinson, che racconta la storia contemporanea di un senzatetto a Londra e del ciclo senza uscita in cui si ritrova. Il fatto che Urchin assomigli così tanto ai classici britannici non sorprende affatto, visto che è diretto da un appassionato cinefilo che porta con orgoglio un tatuaggio di Kes sul braccio e che evidentemente conosce a menadito Ken Loach e Mike Leigh. Eppure, Urchin non è affatto una copia carbone di ciò che lo ha preceduto. Rafforzata dalla bruciante interpretazione rivelatrice di Frank Dillane e arricchita dalla scrittura profondamente umanistica di Dickinson, la visione ponderata dell'attore-regista è completamente moderna e personale. Potrebbe essere il nuovo autore più entusiasmante da guardare dai tempi dei fratelli Safdie.