Marcia Resnick. Die unverfälschte Linse der New Yorker Punkszene

Der Tod braucht weder Blitz noch Klick. Er riss Marcia Resnick vor wenigen Tagen völlig aus ihrem Element, aus jeder Handlung, die man als Szene bezeichnen könnte. Die Fotografin, die Kunst und Konzeptfotografie gegen eine komplizenhafte Annäherung an die Manhattaner Unterwelt eintauschte und die Boheme und glamouröse Dekadenz der Punkszene der 1970er und frühen 1980er Jahre einfing, starb letzten Donnerstag in einem Palliativzentrum. Sie wurde 74 Jahre alt und litt an Lungenkrebs.

Ihr Name ist noch immer in Schwarz und Silber auf dem profanen Altar eingraviert, auf dem die Randgötter des Punk verehrt werden. Sie tauchte in die Unterwelt von Downtown Manhattan ein, als New York von der Finanzkrise heimgesucht wurde, und sie schien diese infiltriert zu haben, indem sie, wie die New York Times es beschrieb, eine exzentrische Persönlichkeit annahm, mit „der Punk-Lolita-Uniform – plissierte Schulmädchenröcke, Overknee-Strümpfe und Kampfstiefel, mit Bändern verzierte Zöpfe und mit Khôl verschmierte Augen – sie nahm ihre Kunst und ihre Mission sehr ernst.“ Als Absolventin des CalArts stellte sie ihr Talent und ihre Entschlossenheit unter Beweis, indem sie eine Reihe intimer Porträts aufnahm, die kaltblütig aufgenommen zu sein schienen und wie kaum eine andere die Szene dokumentierten, die um sie herum brodelte.

Er fotografierte John Belushi 1982, wenige Tage vor dessen Tod, mit Sturmhaube, als wüsste er bereits, dass er mit der nächsten Dosis verschwinden würde. Iggy Pop, Johnny Thunders, Joey Ramone, William Burroughs – sie alle zogen durch das Visier seiner Kamera. Sie posierten nicht. Sie wurden gejagt. Resnick beschönigte nicht: Er zerlegte es. Ihm gefiel der Moment, in dem sein Idol stolperte, wenn das Fleisch mehr verriet als die Verkleidung.

Ihre in den SoHo Weekly News und der Village Voice veröffentlichten Texte waren roh und direkt und trugen dazu bei, Öl ins Feuer dieser Seiten zu gießen, die viel explosiver waren als der „objektive“ und nüchterne Ton, den wir heute gewohnt sind – als würden uns Zeitungen nur die harte Realität vermitteln. Im Gegenteil, sie hinterließ uns ein Archiv des Erstaunens und der Konfrontation, eine Handvoll Bilder, die bis heute beißen. In ihrer berühmten Kolumne „Resnick's Believe It or Not“ – einer sadistischen Parodie auf die Trivialitäten des städtischen Alltags, die sich in einem Tonfall bedient, der mal komisch, mal einfach nur grausam ist.

In den 1970er Jahren veröffentlichte sie „Re-Visions“, ein visuelles Tagebuch, in dem sie Fotos und Textfragmente miteinander verschmolz, mit einer ebenso zynischen wie verletzten, urkomischen und zweideutigen Frauenstimme, am Rande von Zusammenbruch und Erleuchtung. Es wurde ein verdammter Klassiker: ein illustriertes Handbuch für das Aufwachsen im sauren Dunst von Popkultur, zersetzter Sexualität und vorstädtischem Existentialismus.

Er verstand es wie kaum ein anderer, New York zu erleben. Nicht die Stadt der Postkarten – sondern die Stadt der Gassen, der verfallenen Kabaretts, der Straßenecken, an denen legendäre Underground-Figuren verbrannten und wie Asche im Wind verweht wurden. Sein Atelier wurde von Menschen überschwemmt, die heute zu den legendären Erinnerungsstücken dieser Ära zählen: Basquiat, Byrne, Warhol, Lydia Lunch. Er fotografierte sie, als konservierte er sie in Formaldehyd: Er hielt Dekadenz, Ruhm und Verzweiflung in einem einzigen Bild fest.

Ihr Blick war politisch. Wenn sie Männer fotografierte, stellte sie sie bloß. Sie nahm ihnen die Bequemlichkeit des Posierens. Sie zeigte sie verändert, unsicher, absurd schön in ihrem Verfall. Sie war eine der wenigen Frauen, die die männliche Porträtfotografie zu einem brutalen Kommentar machte und Codes umkehrte, ohne Aufhebens zu machen.

Er hatte nie ein großes Verlangen nach Nostalgie, nach dieser Art, auf vergangene Zeiten zurückzublicken und Dinge zu idealisieren. Ebenso wenig entschuldigte er sich für irgendetwas. Die institutionelle Welt begann bereits, ihm Retrospektiven anzubieten und versuchte, spontan Entstandenes zu retten, ohne den Schmutz zu verbergen. Er zog es vor, diesen Produktionen und den Karussells hinter Museumsfenstern fernzubleiben und bevorzugte stattdessen versteckte Archive, vergilbte Zeitschriften, mit Collagen und Rauch bedeckte Wände.

Sein Blick bleibt lebendig, grimmig, nicht als beschwichtigendes Erbe, sondern als Funke. Er zeigt weiterhin alles, was die Kultur lieber verbirgt: dass das Bild ein Angriff sein kann, dass das Porträt ein kriegerischer Akt ist und dass seine Arbeit im Zeitalter von Filtern und aufgesetzten Lächeln weiterhin – trocken, ätzend, ironisch – schreit, dass wahre Schönheit immer noch wehtut.