Giulia Mangoni, die italienische Künstlerin, die den Spaghetti-Western und den argentinischen Gaucho in einen Dialog brachte

Das Werk von Giulia Mangoni ist das Highlight der Ausstellung „Italienische Malerei heute“: eine neue Inszenierung im Palacio Libertad (ehemals CCK). Es steht mitten in der Hauptgalerie und wird als Werk in einem anderen präsentiert. Oder als ein Werk, das von einem anderen umgeben ist und mit dem es interagiert; und die beiden verschmelzen miteinander.

Die Ausstellung wurde von der Mailänder Triennale (Triennale Milano) und dem Italienischen Kulturinstitut Buenos Aires konzipiert und vom italienischen Ministerium für auswärtige Angelegenheiten und internationale Zusammenarbeit sowie der italienischen Botschaft in Buenos Aires gefördert. Kuratiert von Damiano Gullì , brachte die Ausstellung den Reichtum und die Komplexität der neuen italienischen Malereiszene anhand der Werke von 27 Künstlern, die die wichtigsten Strömungen der Zeit repräsentierten, nach Buenos Aires.

Giulia Mangonis Werk „L’incroccio di Vallefredda“ zeigt ein Hin und Her, eine Begegnung zwischen Italien und Argentinien. Das Gemälde entstand in ihrem italienischen Atelier und hängt an einer Wand in der ehemaligen CCK-Galerie. Die Künstlerin arbeitete zwei Tage lang daran und schuf einen Hintergrund, der die dargestellten Bedeutungen und Charaktere begleitet und kontrastiert. Es zeigt Bilder und Protagonisten: den Gaucho, die argentinische Landschaft, die Pferde, die mit der italienischen Prärie verschmelzen, wo italienische Italowestern gedreht wurden. Die Leinwand fängt den Traum des Cowboys, die Natur und die starke italienische Präsenz in Argentinien ein.

Mangoni war bei der Eröffnung anwesend und erzählte uns vom Arbeitsprozess, der zur Erstellung dieser Komposition führte: „Das Werk, ein Ölgemälde auf Leinwand, entstand in Italien für eine Ausstellung im Rahmen eines Projekts von mir, bei dem es um die Konstruktion eines Territoriums ging, da mich dieses Thema schon seit Jahren interessiert. Ich kehrte zurück, um auf der Isola dell‘Iri in der Provinz Frosinone zu leben, wo ich geboren wurde. Ich interessiere mich sehr für Erzählungen außerhalb des Städtischen, für die Erforschung des Ländlichen und für ein bisschen italienischen magischen Realismus. Ich bin halb Italiener und halb Brasilianer, also habe ich immer ein bisschen von beiden Welten in mir. Als ich in meine Heimatstadt zurückkehrte, begann ich, Werke zu schaffen, die die kulturelle Identität dieses Territoriums und die Konstruktion von Identität erforschten.“

– Welche Gemeinsamkeiten zwischen dem italienischen und dem argentinischen Territorium haben Sie bei der Schaffung dieses Werks festgestellt?

– In diesem Fall hat es mit dem Italowestern und der Idee des Cowboys zu tun. Es gibt eine Gegend, die in den 1950er-, 60er- und 70er-Jahren häufig als Drehort für diese Filme genutzt wurde. Es gibt viele Landschaften, die an Nevada, Mexiko oder Südamerika erinnern, aber es handelt sich um Rocca Secca, Campo di Appennino, ganz in der Nähe von Rom. Das hat mich fasziniert, weil es mit der territorialen Tradition der Banditen verbunden war, die authentische Cowboys des 19. Jahrhunderts waren. Mich faszinieren die sich zeitlich berührenden historischen Schichten. Also stellte ich mir einen jungen Protagonisten vor, der sich an einem entscheidenden Punkt seines Lebens befindet, an einem Scheideweg wie dem in Vallefredda . Das Werk spricht von dieser Vielzahl offener Wege, aber es ist nicht offensichtlich, welchen er einschlagen soll, und jedes Tier stellt einen Helden, einen Weg, einen Weg in dieser Landschaft dar.

–Wie ist der Protagonist, der in Ihrem Werk dargestellt wird?

– Er befindet sich in einem Moment des Gleichgewichts. Er ist eine Figur, die auch von einem Gebiet im Gleichgewicht spricht; er ist auf halbem Weg, hat aber noch nicht ganz verstanden, was er sein will. Er ist weder industriell noch ländlich oder touristisch geprägt und hat noch nicht herausgefunden, in welche Richtung er sich kulturell entwickeln wird. In diesem Kontext träumt er meiner Interpretation nach davon, über sein eigenes Territorium hinauszugehen, vielleicht in die Abruzzen, eine Art Cowboy zu sein, ein romantisches Leben zu führen und die Lösung in der Fantasiewelt des Westerns zu finden. Deshalb hat es mir Spaß gemacht, über die Fantasiewelt des Italowesterns nachzudenken, die an diesen Ort adaptiert wurde.

– Was war der Grund für die Einladung, ein Werk dieser Art nach Buenos Aires zu bringen?

– Als Damiano Gullì mich bat, ein Werk hierher zu bringen, sagte ich: „Lasst ihn uns holen, denn er ist ein Mensch, der vom Reisen träumt. Lasst ihn hierher und durch Südamerika reisen“, denn Western porträtieren oft ein falsches Südamerika. Meine Interpretation hat eine zusätzliche Ebene: In der Wandmalerei arbeite ich an seinem Traum von Buenos Aires, sodass er sich das Leben eines Cowboys, eines argentinischen Gauchos vorstellt und argentinische Western sieht, all die Filme, die in der Pampa spielen. In jedem Fall sind diese Western ein Porträt, gesehen von außen, aus der Sicht des Kinos, gesehen mit amerikanischem Einfluss. Es ist kein echtes Porträt, sondern die Konstruktion einer Konstruktion, einer Vorstellung, eines Traums.

– Es spricht von dem Wunsch, seinen eigenen Weg zu finden und von anderen Wegen zu träumen. Und genau das habe ich in diesem Wandbild getan, für das ich zwei Tage gebraucht habe. Es ist eine ungeplante Komposition, deshalb habe ich mich vorbereitet, indem ich viele Filme und filmische Dinge gezeichnet habe, die für Argentinien relevant sind. Ich habe ein Archiv mit Zeichnungen angelegt, die ich dann hier zusammengestellt habe, weil ich Argentinien auch nicht sehr gut kenne. Es ist also auch meine Art zu sagen: „Hallo, ich bin Giulia.“

–Und wie haben Sie dieses Bild von Argentinien aufgebaut?

– Es ist nur die erste Ebene eines tieferen Verständnisses. Ich sehe einen ganzen argentinischen Traum, die Wege, die Reise, die Einwanderung, die Erinnerung, die Nostalgie, die Vorstellungskraft, die Idealisierung des anderen Landes: Das ist immer da. Es gibt all diese Geschichten von Einwanderung, Eroberung, Gewalt und der Bewegung der Verwurzelung und Entwurzelung. Das ist mehr oder weniger die Idee. Ja, es ist auch eine aktuelle Situation, nicht nur eine historische. Dann gibt es da noch die Idee des jungen Menschen, der seinen Weg verloren hat, was in unserer pluralistischen Welt wunderbar ist, weil es immer viele offene Wege gibt, Globalisierung, Reisen, das Internet, aber es stimmt auch, dass viel Verwirrung herrscht und der Moment, den Weg einzuschätzen, nicht offensichtlich ist.

–Wie sehen Sie Ihre Arbeit in dieser Ausstellung platziert?

– Es ist die Feier einer Erzählung. Meiner Meinung nach haben viele der Gemälde in diesem Raum diese Eigenschaft, die Erzählung, ihre Schichtungen zu zelebrieren. Es gibt einen Weg, und wer ihn sieht, muss sich ein wenig anstrengen, die Schritte gehen, schauen, gehen. Dann mag ich es, wenn das Werk erscheint und wieder verschwindet: Nach der Ausstellung wird es zerstört.

–Welche konzeptionellen Elemente kamen in dieser Arbeit zusammen?

– Es ist eine Einladung. Mir gefällt, dass das Gemälde sagt: „Komm her und sieh.“ Das Werk entspringt meinen malerischen Wurzeln, den Künstlern, die ich in den 1980er-Jahren in Brasilien kennengelernt habe, der expansiven brasilianischen Malerei, zu der auch die anthropophage Bewegung gehört, die jetzt in Malba zu sehen ist, das „Abaporu“ von Tarsila do Amaral. Es ist meine „Mona Lisa“. Ich bin hingegangen, um sie zu begrüßen, weil sie Philosophie ist, eine Vorstellungswelt, eine Kultur, die sich von anderen Kulturen ernährt, um zu überleben. Ich denke, wenn man Malerei wirklich studiert, enthält Malerei alles: Literatur, Philosophie, Theater, Mathematik, denn um so etwas zu machen, braucht man Proportionen. Ja. Sie wird zu einer Linse, durch die man die Welt sieht. Das ist meine Idee. Ich gehöre eher zu dieser Schule als zu der, die Malerei nutzt, um eine Philosophie anzuwenden. Ich denke, Malerei ist Philosophie und hilft einem, die Welt zu sehen. Aber das ist nicht jedermanns Sache; nur ich sehe das so.

– Kommt die Natur in Ihr Leben und verschwindet sie wieder?

– Es ist sehr wichtig, denn man hat eine Art Weltanschauung, eine umfassende Vision. Es ist eine Art, das Leben und Beziehungen zu positionieren. Meine Malerei verändert mein Leben. Wenn ich mit Tieren arbeite, selbst mit denen, die ich zu Hause aufziehe, wie zum Beispiel mit Rupert, dem Hahn, erkenne ich oft, dass die Natur keine kalte Anwendung ist; sie ist mein Leben.

Bis 21. September 2025, von 14:00 bis 20:00 Uhr, in den Räumen 705 und 706 des Palacio Libertad.

Giulia Mangoni wurde 1991 in Isola del Liri, Frankreich, geboren, wuchs zwischen Italien und Brasilien auf und ist nun in ihre Heimatstadt zurückgekehrt, um dort zu leben und zu arbeiten. Mangoni hat einen Foundation Degree in Kunst und Design von der Falmouth University of the Arts (2011), einen BA in Malerei (Hons) von der City & Guilds School of Art, London (2014) – wo sie auch den Skinner Connard's Travel Award und den Chadwick Healey Prize for Painting gewann – und einen MFA von der SVA Art Practice, New York City (2019).