Dziesięć trendów artystycznych, które wyznaczają współczesność

Muzea sztuki starożytnej zazwyczaj prezentują swoje zbiory, organizując je w ramach szkół narodowych , co nie jest przydatne w przypadku sztuki współczesnej, która ma znacznie bardziej międzynarodowy i powiązany charakter, mimo że od czasu do czasu wspomina się o takich ruchach jak włoski futuryzm czy holenderski neoplastycyzm. Ta tradycja szkół narodowych jest zresztą obecnie kwestionowana w naszych wieloetnicznych społeczeństwach. Na przykład zaledwie kilka miesięcy temu widziałem doskonałą, nową, tematyczną prezentację kolekcji w Starej Pinakotece w Monachium, która unowocześniła wszystko. Wydawała się bardzo dobrą wystawą sztuki współczesnej.

Z drugiej strony, od lat czołowe muzea sztuki nowoczesnej i współczesnej unikają chronologicznego prezentowania swoich zbiorów. Jeśli chodzi o ich uporządkowanie według kierunków artystycznych, jest ono zazwyczaj utrzymywane, jeśli w ogóle, ponieważ jest to schemat, który również był kwestionowany aż do lat 70. XX wieku. Narracja ta rozciąga się od impresjonizmu końca XIX wieku, przez minimalizm i sztukę konceptualną, przechodząc przez kubizm, gwiaździste pejzaże Miró, ekspresjonizm abstrakcyjny, aż po obrazy Jaspera Johnsa przedstawiające płaskie przedmioty – flagi, tarcze, liczby itp. – Clement Greenberg był tym, który sformułował tę ideę, postrzegając sztukę nowoczesną jako wynik ciągłej i stopniowej ewolucji innowacji formalnych. Zgodnie z jego kryteriami, argumentowano, że sztuka nie ma znaczenia poza tym, co ukazuje. Minimalizm, na końcu tej historii, stanowi rodzaj indeksu cech formalnych: koloru, rozmiaru, faktury, padania światła… i to jest jego znaczenie.

⁄ Kwestie formalne są bardziej instrumentalne niż same w sobie cele, z wyjątkiem artystów cyfrowych

Od lat 70. XX wieku idee te były szeroko kwestionowane, choć nadal istnieją lub są powszechne, jako wyjaśnienie całej wcześniejszej sztuki nowoczesnej. Obecnie odzyskuje się znaczenie. Nie oznacza to, że w latach 80. i 90. XX wieku nie pojawiły się nowe, wyraźnie zdefiniowane ruchy estetyczne, takie jak na przykład neoekspresjonizm; nowe abstrakcje postminimalistyczne; Nowa Rzeźba Angielska; Szkoła Fotografii w Düsseldorfie; czy później, już w naszym stuleciu, tzw. sztuka relacyjna, której ogromny wpływ wciąż trwa. Sztuka relacyjna jest duchampiańska i wymaga interpretacji widza, co dystansuje ją od bardziej dogmatycznej sztuki politycznej. Faktem jest, że muzea często prezentują obecnie swoje zbiory tematyczne, zdominowane przede wszystkim przez wieloaspektową analizę tożsamości i ten nowy, ogromny nacisk na znaczenie znaczenia, zawsze ponad wszelkimi kwestiami formalnymi. Sprzyjało to również kwestionowaniu wszystkich ustalonych kanonów z perspektywy feministycznej i politycznej.

Współczesna sztuka jednocześnie prezentuje wiele dominujących trendów, które niekoniecznie są ze sobą powiązane. Co więcej, scena artystyczna znacznie się rozrosła, obejmując obecnie wszystkie kontynenty. Kwestie formalne są raczej instrumentem niż celem samym w sobie, z wyjątkiem artystów wykorzystujących technologie cyfrowe. Większość współczesnych artystów wybiera języki, które najlepiej odzwierciedlają ich pragnienia, unikając uprzedzeń i dogmatycznych stanowisk, z wyjątkiem artystów o poglądach politycznych. To wyjaśnia ponownie silną obecność malarstwa, które naturalnie współistnieje z nowymi technologiami. Poniżej opisujemy dziesięć dominujących trendów we współczesnej scenie artystycznej, choć prawdopodobnie nie wyjaśniają one jej w pełni. Wymieniłem kilka wiadomości z Felipe Melo, założycielem ArtAhead Consulting i doradcą największych kolekcjonerów, aby wyróżnić kilka konkretnych nazwisk.

1. Odkrycie lub usprawiedliwienie wcześniej ignorowanych lub niedocenianych artystek

Od lat w muzeach i galeriach ten trend jest raczej kuratorski niż artystyczny. Dużo uwagi poświęca się artystom z przeszłości, takim jak Hilma af Klint, kobietom ekspresjonizmu abstrakcyjnego i surrealizmu, ale także kobietom, które pojawiły się po tych ruchach i stały się ważnymi postaciami historycznymi, takimi jak Louise Bourgeois, Ana Mendietta, Ligya Clark, Eva Hesse, Lynda Benglis, Marlene Dumas i Yayoi Kusama. Zauważalny jest również wzrost zainteresowania wieloma innymi artystami różnych pokoleń i narodowości, których prace wywodzą się z różnych strategii lub estetyk. Dotyczy to na przykład Maruji Mallo, Joan Jonas, Carmen Herrery, Etel Adnan, Nalini Malani, Isabelli Ducrot, Cecilii Vicuña, Leiko Ikemury, Susany Solano, Joany Vasconcelosa i Lucíi Laguny.

2. Odkrycie lub uniewinnienie czarnoskórych artystów i artystek

Ta kategoria ponownie stanowi trend kuratorski. Podobnie jak poprzednia, dominuje na scenie artystycznej, otwierając nowy rynek i, co ważniejsze, prezentując wizję, która wcześniej nie istniała. Przypadki takie jak Jean-Michel Basquiat były czystymi wyjątkami, a artyści afrykańscy byli prezentowani, jeśli w ogóle, niemal jako coś odrębnego od zachodniej sztuki współczesnej. W obecnym kontekście, znakomici amerykańscy artyści, tacy jak Sam Gilliam, Martin Puryear, Kara Walker i Glen Ligon, zostali wskrzeszeni lub skonsolidowani; a artyści afro-brytyjscy, tacy jak Frank Bowling, John Akomfrah, Isaac Julien i Sonia Boyce, również zostali wyniesieni na szczyty sławy. Artyści afrykańscy, tacy jak Nigeryjka Njideka Akunyili Crosby, Kenijczyk Michael Armitage, Ghańczyk El Anatsui, oraz australijscy artyści aborygeńscy, tacy jak Sally Gabori i Emily Kame Kingwarreye, której retrospektywa jest obecnie prezentowana w Tate Modern.

3. Abstrakcja gestów kobiecych

To raczej artystyczny niż kuratorski trend. Wywodzi się on z twórczości pionierskich malarek, takich jak Cecily Brown i Janaina Tschäpe, które poruszają się w odmienny sposób pomiędzy figuracją a abstrakcją. Brown wykorzystuje erotyczne obrazy, częściowo ukryte w materiale i jego gestykulacyjnym zastosowaniu, podczas gdy Tschäpe czerpie swoje obrazy z pejzaży, obie eksplorując światy wewnętrzne. Ich twórczość można rozumieć jako kontynuację narracji, która rozciąga się od Helen Frankenthaler i Joan Mitchell do dziś, a w ślad za nią wyrosły prace takich artystek jak afro-brytyjska artystka Jadé Fadojutimi, malująca wielkoformatowe, pulsujące abstrakcyjne przestrzenie, eksplorujące idee tożsamości, oraz innych malarek, takich jak Donna Huanca, Lauren Quin, Vicky Uslé, Talla Worell i Rachel Jones.

4. Krajobrazy

Pejzaż, gatunek mocno zdyskredytowany po swojej dominacji w XIX wieku, której kulminacją był rozkwit impresjonizmu, ponownie stał się gatunkiem dominującym. Obecnie rzadko maluje się konkretne lub konkretne pejzaże. Brazylijczyk Lucas Arruda prezentuje nastrojowe i medytacyjne obrazy, subtelnie oświetlone, sugerujące metafizyczne pytania. Inni, jak Szwed Andreas Eriksson, malują abstrakcyjne pejzaże nordyckie, sugerujące naukowe interpretacje aspektów geologicznych, botanicznych i klimatycznych, jednocześnie zgłębiając ideę wzniosłości. Francuz Laurent Grasso bada w malarstwie, rzeźbie i wideo wizualne możliwości idei naukowych, takich jak promieniowanie, energia elektromagnetyczna i zjawiska paranormalne, manipulując obrazami w celu uzyskania nietypowych, a nawet niemożliwych perspektyw. Pejzaż stał się również nagle idealnym medium do poruszania tak palących problemów, jak zmiany klimatu.

5. Tożsamość

Tożsamość, we wszystkich jej znaczeniach – kobiecość, mniejszości seksualne, rasa itd. – z perspektywy indywidualnej i zbiorowej, jest prawdopodobnie dominującym tematem w sztuce współczesnej. Zainteresowanie tym tematem leży u podstaw dwóch trendów kuratorskich, od których zaczęliśmy omawiać. W swoich instalacjach francuska artystka Mimosa Echard łączy wątki autobiograficzne z ideami z tak różnorodnych dziedzin, jak badania biologiczne i film eksperymentalny, podejmując równie różnorodne tematy, takie jak seksualność i percepcja. Brazylijska artystka Agrade Camiz jest również artystką multimedialną, która eksploruje symboliczny potencjał architektury, w jej przypadku Rio de Janeiro, jako miejsca do analizy narracji osobistych i zbiorowych, a także refleksji nad seksualnością i uciskiem kobiet. W tej sekcji, która mogłaby być znacznie dłuższa, wymieniamy tylko dwie artystki, jako wybitne przykłady.

6. Malarstwo figuratywne

Ta sekcja, podobnie jak poprzednia, odnosi się do dominującego nurtu o niezwykle szerokiej charakterystyce, co utrudnia jego opisanie. Artystów z tej kategorii można z łatwością znaleźć w innych. Wśród nowej estetyki figuratywnej można wymienić TARWUK, nazwę przyjętą przez dwóch artystów pracujących razem, Bruno Pogačnika Tremowa i Ivanę Vuksic, urodzonych w byłej Jugosławii, którzy eksplorują koncepcję traumy historycznej. Zupełnie innym przypadkiem jest Alvaro Barrington, pochodzący z Karaibów i mieszkający w Londynie, który maluje tropikalne motywy, takie jak kwiaty i owoce, na obrazach, do których przykleja materiały takie jak drewno czy tkaniny. Przyznaje, że lubi celebrować swoją społeczność, odnosząc się do tematów takich jak hip-hop, więc jego prace można również postrzegać jako oparte na tożsamości. Malarstwo abstrakcyjne i figuratywne wzbogaca się, sytuując się na innych szerokościach geograficznych, gdzie jest czymś nowym i nowoczesnym.

7. Cyfrowe instalacje elektroniczne

Sztuka elektroniczna i cyfrowa stale się rozwija i ewoluuje, podobnie jak technologia, która może być wykorzystywana w produkcji i prezentacji dzieł. Na przykład Muzeum Guggenheima w Bilbao stworzyło przestrzeń dla tego rodzaju sztuki, w której obecnie wystawia się turecki artysta Refik Anadol. Tworzy on złożone i dynamiczne obrazy w ruchu ciągłym, wykorzystując algorytmy uczenia się. Jordan Wolfson, artysta z Los Angeles, pracował z wideo, filmem, wirtualną rzeczywistością i instalacjami, czasami wykorzystując sztuczną inteligencję. Inną znaną nazwą jest japoński kolektyw teamLab, założony w 2001 roku, który zrzesza różnorodnych artystów, programistów, inżynierów, matematyków, architektów i innych specjalistów, tworząc instalacje, które eksplorują skrzyżowanie sztuki, nauki, natury i technologii. Wielu malarzy i rzeźbiarzy wykorzystuje nowe technologie do tworzenia swoich obrazów lub brył.

8. Ezoteryka

Nacisk na znaczenie stworzył również trend sięgający zarania dziejów, od szamanów po tajne stowarzyszenia i psychodelię. Pionierami są współcześni artyści, tacy jak Victor Hugo, w swojej roli rysownika, wspomniana Hilma af Klint i wielu innych zainteresowanych tajemnymi tradycjami duchowymi, jak Mondrian, Munch, Michaux, Agnes Martin, Forrest Bess, Kenneth Anger, William S. Burroughs, Derek Jarman, Tàpies, Philip Taaffe i Francesco Clemente. To zainteresowanie doprowadziło do odrodzenia wielu nazwisk, takich jak eksperymentalni filmowcy Jordan Belson, Bruce Conner i magik Harry Smith. Ponownie, wielu artystów w tej kategorii można zaklasyfikować do innych, takich jak Felipe Baeza, Louise Despont lub Matías Krahn. Wszyscy interesują się mistycyzmem, teozofią, sufizmem, kabałą i filozofiami Wschodu.

9. Sztuka polityczna

Sztuka z wyrażoną wolą polityczną jest również dominującym trendem, włączając aktywizm jako element swojego dyskursu. Artyści ci podkreślają najistotniejsze w swoim kontekście kwestie, takie jak zmiany klimatu, imigracja, powrót skrajnej prawicy i ograniczanie przez nią wolności, barbarzyńskie ludobójstwo Palestyńczyków, wojny o kradzież zasobów słabszych krajów, toksyczny nacjonalizm, macho i jego przemoc, dekolonizacja, przestępcze pochodzenie wielu fortun związanych ze wspieraniem muzeów i innych działań kulturalnych itd. Jednym z problemów sztuki politycznej jest jej dogmatyzm i dosłowność, jaką oferuje, ale dała ona również początek niektórym z najbardziej wpływowych artystów współczesności, takim jak Francis Alÿs, William Kentridge, Nan Goldin, Doris Salcedo, Mark Bradford, Ai Weiwei i wspomniana Kara Walker.

10. Artyści interdyscyplinarni

Artyści tego nurtu mogliby pojawić się również w innych gatunkach. Można było się spodziewać, że po zniknięciu wirtuozerii i fetyszyzmu technicznego artyści będą poszukiwać najodpowiedniejszych technik dla efektywnego rozwoju swoich pomysłów. Na czoło wybijają się Miquel Barceló, wykorzystujący ceramikę; amerykański choreograf Ralph Lemon, który również rysuje i tworzy filmy; wspomniany belgijsko-meksykański Francis Alÿs, pracujący w różnych mediach; oraz inni meksykańscy artyści, tacy jak Gabriel Orozco, Damián Ortega i Carlos Amorales. Orozco nie posiada pracowni i współpracuje z innymi artystami w miejscach, w których wystawia. Są również artyści, którzy pracują ze słowem lub tekstem, jak Irlandka Orla Barry czy Szwed Karl Holmqvist. Ulla von Brandenburg, której główną dziedziną jest rysunek, również pracuje z tancerzami. W każdym razie istnieje wielu aktywnych artystów, których twórczość obejmuje malarstwo, rysunek, grafikę, książki artystyczne, fotografię, wideo lub film, performance i nowe technologie cyfrowe. Artyści tak różnorodni jak Orozco i Joana Vasconcelos współpracują z ekspertami z innych dziedzin. Podobnie jak duński artysta Olafur Eliasson i Argentyńczyk Tomás Saraceno, których prace często mają charakter naukowy lub funkcjonalny.