I grandi film della storia del cinema con le peggiori valutazioni IMDB

Se un film mediocre basato su una sceneggiatura scadente come Il gladiatore è capace di vincere cinque Oscar e ha un punteggio di 8,5 sul famoso sito di cinema IMDB, o un film strappalacrime come Le ali della libertà si distingue come il titolo con il voto più alto del pubblico di massa sulla stessa pagina (9,3!!!), superando Il Padrino o Il buono, il brutto e il cattivo, perché non diamo una possibilità a film molto migliori con punteggi pessimi?

E poi, perché mai dovremmo aver bisogno di consultarne le classificazioni, una volta verificata una miriade di criteri? Pertanto, per salvare film meravigliosi per la loro irripetibile unicità, impossibili da replicare e condannati all'ostracismo dalla maggior parte del pubblico – in gran parte a causa della loro violazione delle convenzioni "da Oscar" che alla fine rendono mainstream molti titoli affermati – ho stilato questa lista di quindici film che meritano di essere considerati classici.

O che lo siano già, a prescindere da chi possa interessare.

07 CON I 2 DAVANTI (Ignacio F. Iquino, 1966): 3.8 su IMDB

Non c'è film con uno spirito più mortale di questa parodia squilibrata dei primi film di James Bond . Concepito dopo l'uscita di Thunderball, la ricetta per risparmiare sul budget parte dalla stessa premessa: cosa direste se la missione affidata a Jaime Bonet, il cameriere spagnolo a Londra trasformatosi in una spia incompetente per depistare il nemico, consistesse nel recuperare un microfilm del pallone da calcio utilizzato in una partita tra Jugoslavia e Turchia, le cui immagini registrate, a quanto pare, non avrebbero dovuto avere copyright? Inizia così O7 con i 2 di fronte (o Agente: Jaime Bonet), l'assurda commedia di Ignacio F. Iquino, il Roger Corman spagnolo , con protagonista nientemeno che Cassen, forse il comico vivente più disprezzato dalla critica cinematografica spagnola, che a volte gli perdonano Plácido Domingo. Nato Casto Sendra Barrufet (sì, il suo cognome è il nome dei Puffi in catalano), Cassen qui è decisamente esilarante. Solo per la sequenza in cui deve incontrare un informatore in una pensione di Barcellona e bussa a una porta che crolla, rivelando un soggiorno occupato da una famiglia di zingari spavaldi che fuggono terrorizzati dal nuovo arrivato, vale la pena guardarlo, garantendo diverse risate fino alle lacrime. Non per niente la sceneggiatura è scritta da un genio dell'umorismo alla Bruguera: nientemeno che Armand Matias Guiu, creatore dei leggendari Dialogues for Dummies. Se il film fosse americano e il suo protagonista fosse Jerry Lewis (con Stella Stevens al posto di Encarnita Polo), dovremmo sopportare repliche in prima serata e persino libri scritti da specialisti spagnoli che ricoprono di elogi i suoi fan, amici, schiavi e servitori.

LA MANSIONE SOTTO GLI ALBERI (LA MAISON SOUS LES ARBRES, René Clément 1971): 5.6 su IMDB

Considero René Clément uno dei registi europei essenziali del XX secolo. Regista del magistrale Gervaise (1956, con una prodigiosa Maria Schell) e di Passeggero sotto la pioggia (1970, uno dei titoli migliori, il che è tutto dire, della gioiosa filmografia degli anni Settanta di Charles Bronson), Clément si è sempre distinto per una particolare delicatezza nelle sue forme narrative . La villa sotto gli alberi è un altro thriller onirico in cui una cittadina americana a Parigi, Faye Dunaway, deve stabilire se i suoi sospetti sull'infedeltà del marito ambivalente (Frank Langella) siano fondati o se stia impazzendo. La commistione di realtà e paranoia è una specialità che il regista francese gestisce come nessun altro, e La trappola mortale (il suo titolo americano) è girato così bene da essere di per sé una ripresa soddisfacente. Se vi è piaciuto A un passo dal cielo (il racconto o il film), La villa sotto gli alberi offre un viaggio altrettanto piacevolmente inquietante.

I SEGUITORI MORTALI (Barry Shear, 1973): 5.7 su IMDB

Un western maledetto, se mai ce ne fu uno, le cui riprese furono avviate da Samuel Fuller, basandosi sulla trama di uno dei suoi romanzi. Ma dopo cinque settimane di riprese, i produttori si arresero e chiusero i battenti. In seguito vendettero i diritti del progetto e la sceneggiatura fu finalmente riscritta e girata dal regista televisivo Barry Shear, con un budget molto limitato: tanto che la colonna sonora riutilizza passaggi musicali de Il mucchio selvaggio. In effetti, il risultato avrebbe potuto intitolarsi Il mucchio selvaggio, dato che è un piccolo gioiello di insolita violenza: Richard Harris interpreta uno sceriffo odiatore di armi, finché una banda di fuorilegge guidata da Rod Taylor non uccide arbitrariamente l'intera famiglia. La trama è stereotipata al punto da essere eccessiva, ma il trattamento non lo è: vedere il capo della banda gettare inaspettatamente il giovane figlio dello sceriffo sugli zoccoli del suo cavallo, solo per vedere la testa del ragazzo spaccata dagli zoccoli, è inaspettatamente duro per un western... e Taylor è particolarmente convincente nel trasformare il suo cattivo in una figura sgradevole.

Altamente consigliato ai fan di quegli attori del passato che hanno optato per il Metodo solo quando si è trattato di rappresentare il loro personaggio come ubriaco.

Peter Bogdanovich possiede esattamente l'aspetto che mi fa davvero incazzare in un artista anglosassone: non sopporto il suo look da newyorkese snob e decadente (uno di quei tipi snob con sciarpa, occhiali con montatura di corno e sguardo arrogante), le sue paure nascoste dietro un eterno ritornello di cinismo elitario. Tuttavia, negli Stati Uniti, nessuno aveva la sua eleganza (beh, Sydney Pollack ci andava vicino...). Beh, trovo inconcepibile che il creatore di opere formidabili e acclamate come L'ultimo spettacolo, Luna di carta, L'eroe è fuori e persino Saint Jack, continui a trascinarsi nell'ombra un gioiello seminascosto, disprezzato dal grande pubblico, come Il grande amore alla fine.

Concepita come omaggio alle canzoni di Cole Porter, questa commedia karaoke non convenzionale è ventuno anni avanti a Everybody Says I Love You di Allen, ventidue anni avanti a On Connait la Chanson di Resnais e quarantuno anni avanti a La La Land di Chazelle. Squisitamente pianificata e coreografata con infinita grazia, questa è un inno alla gioia di vivere che funziona a meraviglia grazie alla combinazione perfetta e al carisma travolgente dei suoi protagonisti: Madeline Kahn è divertente come lo era in Frankenstein Junior e canta con delizia; troviamo Burt Reynolds più sexy e affascinante che mai, e il suo tempismo comico è innegabile; Cybill Sepherd è dolorosamente bella, e la sua interpretazione e il suo fraseggio sono ammirevoli; Duilio Del Prete ci sorprende con la sua simpatia e la sua abilità scenica; e la coppia formata da Eileen Brennan e John Hillerman (il boss della Magnum) quasi ruba la scena al loro ruolo di supporto, apparentemente esilarante. Il film sarebbe affondato se uno di quegli attori avesse fallito, ma il meccanismo è infallibile. Allora perché ha un ingiusto punteggio di 5,3 su IMDb, e perché nessuno lo menziona mai? Chiaramente, perché non è stato recensito dalla sua uscita. Come è tipico degli anni '70 di Bogdanovich, ci troviamo di fronte a un gran film.

Caro lettore, se il tuo partner è intelligente , sensibile e ha buon gusto, rallegrategli la giornata e regalategli "Finalmente, il grande amore". Se non lo apprezza, regalatelo al vostro amante.

Ci sono registi che hanno successo perché i loro film fanno sembrare lo spettatore più intelligente di loro, come Christopher Nolan , M. Night Shyamalan o Darren Aronofsky. E poi ci sono quelli che, al contrario, rischiano di essere scambiati per idioti, cioè registi veramente onesti che scuotono il pubblico da ogni predisposizione compiacente: l'olandese Paul Verhoeven appartiene a questo gruppo ristretto, ed è per questo che i suoi film impiegano così tanto tempo per essere apprezzati dalla critica... e a volte dal botteghino. Showgirls è il suo caso più leggendario di opera incompresa: la sua falsa ingenuità la faceva sembrare la figlia surrogata di iconici titoli di sexploitation anni Settanta come l'altrettanto velenoso The Stallion (e sì, questa nuova apoteosi della cattiveria era l'unica a cui mancava Joan Collins), ma la realtà è che abbiamo a che fare con un capolavoro del kitsch.

Il pubblico gay, sempre più intelligente, ha colto per primo l'entusiasmo per la qualità di Showgirls, un film capace di trasformare una discepola di Angela Channing in un sex symbol grazie al talento di Gina Gershon. Verhoeven avrebbe usato lo stesso trucco dell'idiota per inventare meraviglie come Starship Troopers (1997), forse il film di fantascienza che meglio definisce la guerra; o quel recente omaggio al softcore camp che è Benedetta (2021), che, se fosse stato diretto da uno qualsiasi dei tre registi sopra menzionati, gli sarebbe valso la defenestrazione – probabilmente con giustificate ragioni – da parte di qualche movimento femminista ufficiale. Ma con Verhoeven, il frutto che produce è sempre diverso, perché non inventa una pappa monotona o un messaggio univoco.

In Verhoeven, l'ovvio ha spesso un significato nascosto.

Il miglior film (cinematograficamente parlando) con Jean-Claude Van Damme è questa folle epopea diretta da Tsui Hark, il brillante regista di Hong Kong. La sua trama di spionaggio è oltremodo delirante, ma lo è ancora di più l'esecuzione delle sue scene: quell'inaspettata palla gigante che funge da paracadute per l'eroe o, come climax "emozionante", quella tigre scatenata in un anfiteatro disseminato di mine (con un distributoredi Coca-Cola come unica barriera!), tutto si somma al punto esatto di follia che rende Double Team il massimo del cinema imprevedibile. E l'idea di riunire Van Damme, Mickey Rourke e Dennis Rodman per trasmettere questa sequenza di follia meriterebbe un Oscar per il miglior concept tosto in qualsiasi edizione.

Come se non bastasse, Hark è incredibilmente abile dietro la macchina da presa: assistere alla première di Double Team in un cinema è stata una delle decisioni più sagge della mia vita. L'anno successivo, Hark e Van Damme avrebbero replicato il film nel molto più debole (perché prevedibile!) Eye of the Storm (1998): i produttori hanno sicuramente tenuto il loro regista al guinzaglio e si sono accontentati di un prodotto mediocre che non funzionava per loro. Hark è poi tornato a Hong Kong, dove ha rapidamente dato vita a un altro capolavoro alla pari di Double Team: Time Will Not Wait, considerato da Les Cahiers du cinéma uno dei migliori lungometraggi del 2001.

Curiosamente, un decennio dopo, un altro nativo di Hong Kong, Andrew Lau, ha avuto un'esperienza simile negli Stati Uniti: il suo unico film per Hollywood, The Flock (2007), è passato inosservato nonostante fosse un potente thriller psicologico con Richard Gere e Claire Danes. Il suo punteggio IMDB? 5,7!

Mandate gli abitanti di Hong Kong.

BATMAN & ROBIN (1997, di Joel Schumacher): 3.8 su IMDB

La mia esperienza peggiore con Batman è stata quando ho visto Batman Begins (2005), la schifezza di Christopher Nolan: sono andato a vederlo per portare al cinema mio nipote di otto anni e mi sono annoiato a morte. Sceneggiato male (il suo crescendo emotivo è un plateau), recitato male (quei sussurri presumibilmente sinistri di Christian Bale sono scioccanti per l'infantilismo del dispositivo: American Psycho, tieniti stretto!), musicato male (con la colonna sonora a tutto volume ogni volta che volevano mascherare i rallentamenti o le incongruenze della trama) e, soprattutto, montato malissimo (quei pugni inseriti nei primi piani per mascherare il fatto che nessuno aveva coreografato le sequenze d'azione...), quel miscuglio di gesti stilistici mi ha fatto ricordare con nostalgia quanto mi fossi divertito a guardare Batman & Robin, la versione glamour del crociato incappucciato orchestrata dal grande Joel Schumacher, responsabile di blockbuster come Un giorno di ordinaria follia e Un omicidio in 8mm. E per di più, non ha preso sul serio tutta quella storia intensa e noiosa di Batman! O sei Frank Miller, o faresti meglio ad avvicinarti a questo supereroe con umorismo e sana ironia...

È vero che George Clooney è stato pessimo (anche se sulla carta è la copia perfetta di Bruce Wayne ) e che il gusto per l'eccesso di Schumacher ha saturato i nostri occhi e il nostro cervello dopo mezz'ora (il film sarebbe stato perfetto come miniserie in quattro parti da 30 minuti ciascuna), ma ciò non toglie che la produzione e il tono fossero abbaglianti.

Ciò che mi rende più felice del fatto che abbia solo un 3,8 su IMDb è che è sicuramente dovuto alle migliaia e migliaia di fan entusiasti di Batman, indignati dal fatto di trovarsi di fronte a un'interpretazione intelligente del loro eroe, senza alcuna serietà imposta in modo ridicolo; fan che rappresentano una piaga per l'umanità quasi altrettanto dannosa dei fan di Star Wars.

Quasi.

IL GRANDE MARZIANO (Antonio Hernández, 2001): 2.5 su IMDB

Capolavoro del sottogenere della satira non-fiction (o qualcosa del genere) e diretto con encomiabile abilità dal solido narratore – in pellicola e video – Antonio Hernández, El Grande Martián è stato l'Innocente, l'Innocente del grande schermo che ha fatto ridere di gusto migliaia di spagnoli. Girato con telecamere nascoste, solleva la questione della presenza di una presunta astronave aliena precipitata in Estremadura, un evento a cui i concorrenti della prima edizione made in Spain del Grande Fratello assisteranno come testimoni d'eccezione.

Questo è un film che bisogna vedere per crederci, e per credere alla credulità dei suoi protagonisti. Qualsiasi reality show supera la finzione, ma questo ancora di più: se quei concorrenti rappresentassero davvero la realtà della nostra popolazione e dello spagnolo medio, sarebbe sufficiente per gettarsi tra le braccia dei piccoli marziani ostili. Un'altra pietra miliare del cinema spagnolo che un giorno verrà riscoperta e lodata come merita. Il suo punteggio di 2,5 la dice lunga sui nostri cittadini (e sul loro odio per i suoi film) più che sulla qualità intrinseca di The Great Martian, che è tecnicamente e narrativamente innegabile.

Ripeto: se fossi uno yankee, avrei già mille menestrelli (iberici, per giunta... e senza sarcasmo nei loro poemi epici).

QUESTO CORPO NON È MIO! (THE HOT CHICK, 2002, Tom Brady): 5.6 su IMDB

Una commedia sullo scambio di corpi molto più riuscita di quanto spesso si pensi, "This Body Isn't Mine!" è consigliata a chiunque voglia farsi una bella risata e lasciare la scena con un cuore caldo. Ricordo che la sensazione che provai guardandola era molto simile al retrogusto lasciato da un classico come Grease! (all'epoca, un altro film stroncato dalla critica, come quasi tutti i film con la vita nelle vene): una vera e propria epifania che ti riconcilia con la condizione umana.

Rob Schneider e Rachel McAdams sono sublimi: il film avrebbe anche lanciato la sua carriera, poco prima del suo debutto in Mean Girls. In breve, una commedia esilarante e di successo, capace di rallegrare anche il pomeriggio più triste e di trascendere l'etichetta di "commedia per la gloria (del comico di turno)".

CREEP (Christopher Smith, 2004): 5.6 su IMDB

Christopher Smith è uno dei registi britannici più interessanti di questo secolo: capace di affrontare l'horror da diverse angolazioni, come la commedia nera (Dismembered), la percezione sensoriale (nel mai abbastanza elogiato Triangle) o l'abiezione (Black Death). In Creep, ci offre un classico racconto horror, con una creatura abominevole che dilaga nel suo universo: la metropolitana di Londra. Con la schietta e potente Franka Potente, Creep si distingue per la sua atmosfera aspra e le sue immagini impeccabili, così come per la crudeltà e l'originalità del suo mostro, incarnato con ambizione e carisma dall'ormai richiestissimo Sean Harris. Rimane un punto di riferimento per molti appassionati di horror (in effetti, è stato il debutto di Smith come regista), e non riesco a spiegare perché abbia ricevuto un discreto pollice in su su IMDb.

SO CHI MI HA UCCISO (Chris Sivertson, 2007) e THE CANYONS (Paul Schrader, 2013): 3.6 e 3.8 su IMDB

Perché tutti hanno criticato Lindsay Lohan qualche anno fa? Perché all'improvviso la gente l'ha odiata così tanto, al punto da maledire ogni film in cui ha recitato? Beh, ha recitato in almeno due film fantastici, entrambi sottovalutati in modo simile. So chi mi ha ucciso è una delizia per qualsiasi appassionato di gialli in stile Boileau-Narcejac , e per di più, con una palette di colori di prima classe. Il maestro del fumetto Sequeiros l'ha definito "un David Lynch per adolescenti", una descrizione che le calza a pennello e che le calza a pennello. Il suo regista, Chris Sivertson, è un interessante e prolifico cultore del genere che, tra gli altri progetti, ha co-diretto l'altrettanto sensazionale All the Dead Cheerleaders (2013) insieme a un'altra figura attuale del nuovo genere horror, Lucky McKee (May, The Woman). La valanga di odio contro "So chi mi ha ucciso" e il meraviglioso manufatto estetico creato dal suo regista mi lasciano profondamente sconcertato. Credo che possa essere motivata solo dall'animosità verso Lohan o verso quelle trame in cui non tutti i contenuti sono offerti in forma sminuzzata.

Ma la povera Lindsay arriva e, non contenta di essere umiliata senza motivo, recita in un altro strano film, questa volta nientemeno che Paul Schrader, un tempo sceneggiatore quasi fisso di Martin Scorsese, che negli ultimi due decenni continua a offrirci le proposte più attraenti, rischiose e scomode. Una è stata lo straordinario Autofocus (2002), e un'altra estremamente suggestiva è The Canyons. Non so se sia stato perché la Lohan è stata affiancata all'attore porno James Deen come protagonisti o perché l'enfant terrible letterario Bret Easton Ellis era l'unico responsabile della sceneggiatura, ma il fatto è che i critici hanno fatto a pezzi l'opera risultante. Tuttavia, è la migliore rappresentazione su celluloide della noia urbana che Ellis ritrae così bene nei suoi romanzi e che gli spettatori hanno scambiato per aritmia narrativa o pigrizia. Non è un film perfetto, né pretende di esserlo, poiché rischia di non piacere a tutti, ma ogni nuova visione diventa affascinante.

Tanto di cappello a Ellis e Schrader. E anche a Lohan!

LAND OF THE LOST (2009, Brad Siberling) e HOUSE OF MY FATHER (2012, Matt Piedmont): 5.3 e 5.5 su IMDB

Alcuni dei migliori film del comico Will Ferrell sono anche i più incompresi. Oltre a commedie a tutto tondo come Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004) e The Skid of Glory (2007), c'è vita: è perdonabile che Land of the Lost non sia apprezzato in tutto il suo splendore perché è un adattamento cinematografico di un'omonima serie TV degli anni '70 che non era una commedia, ma piuttosto un film d'avventura fantasy giovanile, con "mondi perduti", civiltà incontattate, dinosauri e tutto il resto. In questo senso, posso capire la rabbia dei fan della serie originale, che devono essere stati imperdonabili per il fatto che, per una volta, un film basato sul loro amato materiale ne avesse tradito l'essenza e fosse stato riproposto in una farsa dalla patina ferreniana (proprio come non posso perdonare a Joseph Losey la farsa che ha rigurgitato con il nobile materiale in Modesty Blaise). Ma "La terra dei perduti" è un film esilarante! Guardare Ferrell correre goffamente tra i tirannosauri o imitare i movimenti "gattosi" sulla schiena per evitare un branco di umanoidi rettiliani ti fa quasi venire un infarto. Cosa c'è di meglio di un film pieno di dinosauri e risate? È persino meglio di "L'uomo delle caverne"! E Ferrell è più bello di Ringo (beh, questo è tutto...).

Quanto a Casa de mi padre, ci troviamo di fronte a una farsa singolare che, come disse Nacho Vigalondo del mio film d'esordio postumo, "non è fatta per nessuno". Beh, forse solo per il suo regista. Girato in spagnolo dall'intero cast, guidato dal buon Will (un messicano spaccone con più fegato di Elvis) e supportato – per una volta – dai sopportabili Gael García Bernal e Diego Luna, Casa de mi padre è tutto ciò che Yellowstone avrebbe dovuto essere e che, a causa della sua pomposa serietà, non è stato: una barzelletta! Più vicino nello spirito a Godard che a Hawks, finisce per diventare puro cinema sperimentale, dove dobbiamo indovinare quanto dureranno le improvvisazioni degli attori o quando il regista deciderà di interromperle. In ogni caso, è fatto per innervosire, e direi, non per piacere.

E questo di per sé è un merito indiscutibile .

A

Adrian Lyne è come Verhoeven: chi si comporta da saputello si crede stupido. E invece no. La mia migliore amica ha una teoria secondo cui Lyne è super gay, a prescindere da quanto il matrimonio lo protegga: secondo lei, nessuno con impulsi eterosessuali mostrerebbe una tale capacità di mettersi nei panni di una donna come il cantautore di Bitches (1980), Flashdance (1983), 9 settimane e mezzo (1986), Attrazione fatale (1987), Proposta indecente (1993), o quelli che forse sono i suoi capolavori: il travolgente e straziante Lolita (1997), che trasforma l'opera di Kubrick in una barzelletta di cattivo gusto; e L'amore infedele (2002), dove si sente l'odore di adulterio sulle dita di Diane Lane. (È interessante notare che il suo unico titolo acclamato dalla critica è Jacob's Ladder del 1990: sessismo latente da parte dell'industria? Assolutamente sì.)

Adrian Lyne è il DH Lawrence della Nona Arte.

E pochi padroneggiano il cinema sensoriale come lui. Deep Waters attinge all'universo e al tono di Unfaithful, offrendoci un affascinante esercizio di intrigo nei già logori (e increduli) brandelli del thriller erotico di inizio secolo. Basato su un romanzo inquietante di Patricia Highsmith, Lyne lo tradisce trasformando il suo protagonista omosessuale nell'omosessuale sbalordito che Ben Affleck incarna così bene. Lui e Ana de Armas formano una coppia eminentemente tossica, dove lei può collezionare quanti amanti vuole e a lui non importa se lo accusano di ucciderli per dispetto. Lyne applica il suo dono per lo staccato lirico come Vaseline per introdurci a questa vecchia "nuova sessualità" e ci serve un piatto deliziosamente stracotto al servizio del nulla. Ma ingoiarlo è delizioso.

Non ho ancora capito cosa sia andato storto nell'accoglienza del pubblico: lo considerano ormai uno stile antiquato o il frivolité, come si è detto, è passato di moda?

MEG 2: LA TRINCEA, 2023, Ben Wheatley: 5.0 SU IMDB

Sembra incredibile che il miglior film che Jason Statham ci abbia regalato negli ultimi tempi sia un lungometraggio con uno squalo assassino per tutti i pubblici... e un sequel per giunta. Eppure lo è: Shark - Il primo squalo è un eccellente spettacolo per famiglie che si apprezza appieno sul grande schermo e che non può che irritare gli amanti del gore. Diretto con entusiasmo e fantasia da Ben Wheatley, fortunatamente ben lontano dalla pedanteria e dalla pretenziosità mostrate in Rebecca - La prima moglie (2020) o High-Rise - Un palazzo a New York (2015), e anche ben lontano da quel monumento di azione infondata all'ego di un barelliere che era Normal - Il primo squalo (2025), Shark - Il primo squalo ci immerge metaforicamente in un esuberante parco divertimenti nautico da cui emergeremo senza dubbio grondanti e con qualche boccone.

Statham comprende perfettamente il codice e, sebbene non sia più in grado di competere, batte ancora di gran lunga Bob Odenkirk e altri esponenti dell'intrusione di genere, continuando a dimostrare di essere ancora pronto a dare qualche colpo. Un grande film di mostri e un omaggio al cinema fantasy classico, rappresenta l'esatto opposto del primo: se The Meg (2018) era una schifezza basata su un magnifico romanzo di Steve Alten, il suo sequel è un film di gran lunga superiore basato su un romanzo schifoso...

Credo di essere stato l'unico membro della stampa specializzata nel 1994 ad apprezzare "Il Corvo" , l'adattamento cinematografico di Alex Proyas del fumetto di James O'Barr, il giorno della sua première al Festival di Sitges. Di fronte al mio palese entusiasmo dopo la proiezione mattutina, il critico più prestigioso di Barcellona mi disse con tono condiscendente: "Non si ottiene nulla da una pietra". Non mi importava: avevo visto un film importante, un film che mi aveva toccato l'anima. E che, nel corso degli anni, ha toccato l'anima di innumerevoli persone.

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Tuttavia, questo non mi ha impedito di apprezzare la sua recente reincarnazione nel film di Rupert Sanders . Il regista propone un'estetica aggiornata e preme senza timore l'acceleratore della violenza, riuscendo a immergerci in un'altra dolorosa e curativa esperienza di masturbazione sadomasochistica e in un esercizio di esistenzialismo per ragazzi più grandi affetti da angoscia adolescenziale, una metempsicosi commerciale che non trovo incompatibile con il culto del canto del cigno di Brandon Lee. Anche Bill Skarsgård è simpatico, nonostante si inizi già a vederlo ovunque, praticamente un Pedro Pascal del fantastico: qui fa un buon abbinamento con la splendida FKA twigs.

Chiaramente, la scarsa valutazione che questa versione riceve su IMDB è dovuta al sabotaggio dei fan più accaniti del primo Il Corvo , che vogliono strapparsi gli occhi dopo aver assistito alla sua resurrezione (è quello che succede loro per aver allevato corvi...).

Tuttavia, The Raven merita una nuova vita...

Continuerò a esplorare (e rivendicare) controcorrente.