L'art de la foi : au-delà des installations dans les églises désaffectées

De nombreux lieux de culte, dédiés à la prière aux siècles passés, accueillent aujourd'hui des installations artistiques. Les églises, autrefois bondées de fidèles, aujourd'hui souvent vides, sont-elles devenues les nouveaux temples du contemporain ? Pendant des siècles, la religion a imprégné la culture européenne d'une spiritualité commune : non seulement la foi, mais aussi l'ordre symbolique et politique . Avec Charlemagne, couronné empereur par Léon III, l'Empire est devenu le « Saint-Empire romain germanique », et l'Église a été pendant des siècles un élément central de l'identité européenne. Aujourd'hui, cette cohésion a disparu. La dévotion s'est fragmentée, le sacré s'est retiré de la liturgie commune pour refaire surface sous des formes privées, intermittentes et subjectives. Et tandis que l'Europe peine à se maintenir – entre l'invasion de l'Ukraine, la résurgence du nationalisme et la poussée protectionniste de l'Amérique de Trump –, l'art contemporain franchit à nouveau le seuil du sacré, mais parle un autre langage.

L'atelier interdisciplinaire « Ceci n'est pas une église », une exploration du rôle que les édifices religieux peuvent jouer dans l'avenir urbain de la Ruhr

C'est dans ce contexte que s'inscrit l'un des projets les plus intéressants en vue de la prochaine Biennale européenne nomade d'art contemporain, Manifesta 16. Elle se tiendra dans la région de la Ruhr, en Allemagne, en 2026, un ancien district minier et sidérurgique en pleine transformation, une région qui démontre comment la culture peut devenir un moteur de renaissance pour des zones marquées par la désindustrialisation. En préparation de l'exposition, un laboratoire d'écoute et de planification partagée a été créé : l'atelier interdisciplinaire « This Is Not a Church » , organisé avec la TU Dortmund, l'une des principales universités techniques allemandes, et coordonné par Josep Bohigas . Architecte et urbaniste catalan, Bohigas est le premier médiateur créatif de Manifesta 16 , un rôle hybride alliant créativité, urbanisme et médiation culturelle. Étudiants, architectes, habitants du quartier et professionnels locaux ont participé à une exploration collective du rôle que les édifices religieux, aujourd'hui souvent abandonnés ou réaffectés, peuvent jouer dans l'avenir urbain de la Ruhr.

Des milliers d'habitants ont été impliqués dans un processus de co-conception qui aboutira à un appel ouvert à des initiatives artistiques et sociales locales. Cette gouvernance ascendante, caractéristique de Manifesta , vise à restaurer la dimension communautaire et le rituel participatif de l'art. Cette approche place le territoire au cœur de la programmation artistique, faisant de la Biennale non seulement une exposition, mais un processus social et culturel continu. Le projet met en lumière un point commun à de nombreuses villes européennes où les églises, autrefois centrales à la vie sociale et spirituelle, sont aujourd'hui en crise : fermées, abandonnées, reconverties . Mais pas effacées. L'atelier a posé une question fondamentale : que peuvent devenir ces bâtiments, au cœur des communautés, aujourd'hui, à une époque où la religion a perdu sa centralité mais où la quête de sens et d'appartenance demeure vivante ? L'objectif n'est pas de transformer le sacré en musée, mais d'en redéfinir les limites : rechercher de nouveaux lieux de connexion et de coexistence, à commencer par les espaces qui préservent leur mémoire .

Dans de nombreuses villes de la Ruhr, les églises étaient au cœur de quartiers construits sur mesure, anticipant le modèle de la « ville en cinq minutes » : des lieux où culte, services et relations coexistaient dans un espace accessible et intégré. Se réapproprier ces bâtiments aujourd'hui signifie relancer une véritable « révolution de la proximité », en s'attachant à réactiver les fonctions sociales de ces espaces. Ce modèle rappelle l'expérience des oratoires italiens, nés de l'intuition de Don Bosco au milieu du XIXe siècle : des espaces éducatifs et sociaux, mais aussi religieux, au cœur des rassemblements de jeunes. Une référence historique qui, malgré sa distance, peut suggérer des pratiques communautaires actuelles. De l'Allemagne, qui interroge aujourd'hui ses espaces religieux, à l'époque médiévale qui a donné la parole à l'une des figures les plus radicales de la mystique chrétienne, le sacré est à nouveau une question d'actualité. Au printemps dernier, à la Biennale d'art de Venise, les Archives historiques ont consacré un projet spécial :

La Biennale della Parola est dédiée à Maître Eckhart, mystique dominicain né en Thuringe et contemporain de Dante. Penseur liminal, capable de réduire le langage théologique au silence et à la vision, Eckhart fut jugé pour hérésie et certaines de ses thèses furent jugées suspectes. Pourtant, nombre des plus grands philosophes contemporains, comme Heidegger, se sont inspirés des sommets de sa pensée, car « la contemporanéité est la capacité d'engendrer l'avenir », comme l'a déclaré Pietrangelo Buttafuoco, président de la Biennale de Venise. Le commentaire de Maître Eckhart sur l'Évangile de Jean est devenu une performance chorale dirigée par Antonello Pocetti, présentée au Portego delle Colonne de la Scuola Grande di San Marco, aujourd'hui l'hôpital civil SS. Giovanni e Paolo. Des décors d'Antonino Viola, des vidéos d'Andrew Quinn et un son de Thierry Coduys ont transformé le projet en une œuvre multimédia. Les acteurs – Federica Fracassi, Leda Kreider et Dario Aita – ont alterné entre latin et italien, accompagnés par le chant grégorien de la Cappella Marciana. Le public, rassemblé sur une estrade rappelant la schola cantorum médiévale, a été enveloppé de mots, d'images et de sons, immergé dans un espace intemporel où l'ancien et le contemporain se reflétaient.

Dans ce contexte, une voie parallèle s'ouvre, moins médiatisée que deux grands événements culturels internationaux comme la Biennale et Manifesta , mais tout aussi pertinente. C'est celle de l'art contemporain qui pénètre dans les églises encore fréquentées et ouvertes au culte. L'artiste y aborde le rituel, la communauté et la présence quotidienne. Il ne s'agit pas d'installations décoratives ni de gestes symboliques, mais d'œuvres qui peuplent le temps liturgique, s'interrogeant sur l'attente, le silence et la frontière entre le visible et l'invisible. Une pratique plus discrète, mais peut-être pour cette raison plus radicale. En Europe, l'expérience a une profondeur historique : en 1949, Matisse a conçu la chapelle du Rosaire à Vence, sur la Côte d'Azur. Ici, vitraux, mosaïques, haute liturgie et objets sacrés convergent en une œuvre totale qui existe encore aujourd'hui comme lieu de prière tenu par des religieuses dominicaines – le dernier chef-d'œuvre spirituel du maître. Aux États-Unis, l'un des exemples les plus célèbres se trouve à New York, créé à la fin des années 1970 par Louise Nevelson, qui a conçu la chapelle du Bon Pasteur au sein de l'église luthérienne Saint-Pierre : une oasis de bois blanc, intime et retirée, conçue non pas pour choquer, mais pour inviter à la contemplation silencieuse. Nevelson expliquait : « Si les gens peuvent vivre un moment de paix, ils l'emporteront avec eux… », témoignant d'une conception radicale de l'art comme espace intérieur, et non comme représentation.

Quelques années plus tôt, à Houston, au Texas, les collectionneurs John et Dominique de Menil avaient commandé au célèbre artiste abstrait Mark Rothko un sanctuaire laïc dédié à la méditation et à l'inspiration. Rothko a soigneusement supervisé chaque détail de la conception architecturale : de la forme géométrique du bâtiment à la qualité de la lumière, conçue pour interagir avec ses œuvres . Au centre de la chapelle se trouvent quatorze grandes toiles peintes dans des tons sombres et profonds, qui ne sont pas exposées au regard mais attirent l'attention, tels des espaces intérieurs à traverser . La chapelle a été conçue comme un lieu sacré, mais aussi comme un centre communautaire, et accueille toujours des réunions, des lectures et des programmes consacrés aux droits de l'homme et à la justice sociale. Au fil des ans, elle a accueilli Nelson Mandela et le Dalaï-Lama, entre autres. Aujourd'hui encore, après sa restauration suite aux dégâts causés par l'ouragan Beryl l'année dernière, la chapelle Rothko reste un lieu incontournable pour la communauté, avec des programmes axés sur les questions interconfessionnelles et sociales.

L'église Saint-James de Piccadilly accueille régulièrement des œuvres d'artistes contemporains. Ce n'est pas seulement une galerie, c'est un lieu dynamique.

Au cœur de Londres, à côté de la Royal Academy of Arts, l'église Saint-James de Piccadilly s'est imposée comme une véritable « Église des artistes », accueillant régulièrement des œuvres d'artistes contemporains dans le cadre d'un programme dédié à la créativité sous toutes ses formes. Dans une métropole où la construction d'une communauté n'est pas une évidence, l'union entre art et liturgie devient un lieu de rassemblement et de réflexion citoyenne. Par exemple, en 2022, l'église a commandé une œuvre permanente dans le sanctuaire à l'artiste Jesse Darling – qui a remporté l'année suivante le plus important prix d'art britannique, le prix Turner – mais la présence artistique se prolonge au-delà, tout au long du cycle liturgique, en dialogue avec l'espace sacré. Non pas une galerie, mais un lieu vivant, où l'esthétique n'interrompt pas le rituel : elle l'enrichit, le questionne et le rend contemporain. Les tensions entre art contemporain et liturgie ne sont pas une découverte, mais elles semblent aujourd'hui révéler quelque chose de nouveau. Là où l'Église exige l'ordre, l'art propose la fracture ; là où le rituel se répète, l'œuvre se fragmente. Mais c'est précisément dans cet écart, cette incomplétude, qu'une autre forme de dialogue peut naître : non pas conciliée, mais vivante. C'est peut-être dans cette même perspective, qui accepte le conflit comme une possibilité génératrice, qu'il faut aussi comprendre l'intérêt croissant du Vatican pour l'art contemporain et ses langages. Lors de la dernière Biennale d'art de Venise, par exemple, le Pavillon du Saint-Siège a été installé sur la Giudecca, à l'intérieur de la prison pour femmes : un projet fondé sur un dialogue direct entre détenues et artistes, qui a donné forme à un modèle d'art « à travers mes yeux » – fondé sur les mots, le regard et le témoignage vécu en prison.

Le Département de la Culture du Vatican a promu « Conciliazione 5 », une « galerie de rue » organisée par Cristiana Perrella

Cette année, à l'occasion du Jubilé 2025, le Dicastère pour la Culture, présidé par le cardinal de Mendonça, a promu Conciliazione 5, une « galerie de rue » le long de la Via della Conciliazione menant à Saint-Pierre, sous la direction de Cristiana Perrella. Une œuvre de l'artiste italo-albanais Adrian Paci, inspirée de la célèbre phrase du poète anglais John Donne, écrite en 1624 : « Nul n'est une île », a été installée il y a quelques semaines. Une affirmation qui résonne aujourd'hui comme un appel à l'interconnexion, à la reconnaissance de l'autre comme partie d'un tout. À Palerme, la relation entre l'art contemporain et le patrimoine sacré a depuis longtemps pris des formes originales, ancrées dans le tissu urbain et l'histoire de la ville . L'ouverture au public des oratoires baroques décorés par Giacomo Serpotta, promue par les Amis des Musées Siciliens il y a plus de vingt ans à l'initiative de Bernardo Tortorici di Raffadali, en est un parfait exemple. Parmi ces lieux extraordinaires, citons l'Oratoire San Lorenzo, marqué par la perte de la Nativité du Caravage, volée en 1969. Une absence transformée en opportunité : chaque année, un artiste contemporain est invité à en créer une nouvelle version, geste symbolique de réparation. En 2024, l'œuvre a été confiée à Michelangelo Pistoletto. Fidèle à cet esprit, la Fondation des Chapelles Ghenie, promue par Alessandra Borghese en 2022 avec le soutien du Père Giuseppe Bucaro, a restauré trois chapelles pour le culte grâce aux interventions permanentes de l'artiste Adrian Ghenie. Deux d'entre elles, dans l'église de la Madonna della Mazza, sont dédiées aux nouveaux martyrs contemporains et au Père Pino Puglisi ; la troisième, à Santa Ninfa ai Crociferi, réinterprète Santa Rosalia comme un symbole de l'identité de la ville. Il ne s'agit pas de simples installations, mais de présences vivantes, capables de réactiver la relation entre art, spiritualité et communauté.

À Palerme, la Fondation RIV a fait ses débuts avec l’exposition collective « Spazio Umano », rendue plus intense par la richesse de San Mamiliano

Il y a quelques semaines, la nouvelle Fondation RIV a fait ses débuts dans la capitale sicilienne avec l'exposition collective Spazio Umano, présentée dans l'église San Mamiliano, au sein du complexe monumental de Santa Cita (ou Santa Zita, sainte patronne de Lucques). La présence de cette sainte atypique au cœur de Palerme rappelle l'installation des marchands lucquois au XIVe siècle, vestige d'une histoire d'échanges et de connexions aujourd'hui réactivée dans le contexte de l'art contemporain. Le projet, conçu par Gianluca Collica et Patrizia Monterosso, a réuni douze artistes de générations et d'horizons différents – Adalberto Abbate, Francesco Balsamo, Tony Cragg, Francesco De Grandi, Aziz Hazara, Francesco Lauretta, Urs Lüthi, Rabih Mroué, Dala Nasser, Mimmo Paladino, Hans Schabus et Alberto Scodro – dans un dialogue avec l'espace sacré. RIV est né d'un projet curatorial réfléchissant sur la condition humaine contemporaine et s'inscrit dans un réseau plus large d'expériences actives en Sicile, se développant là où la marginalisation culturelle est la plus forte. La relation entre l'art et le lieu est renforcée par la richesse des strates de l'église : les œuvres Renaissance d'Antonello Gagini, concepteur de la tribune en marbre et de l'arc de la chapelle, demeurent in situ, aux côtés de la chapelle baroque du Rosaire, décorée de précieux marbres mixtes qui dramatisent à la fois la gloire terrestre et l'inévitable fugacité de la vie. Dans ce contexte, les œuvres contemporaines ne recherchent pas des liens faciles, mais plutôt des espaces d'écoute et d'attention . À une époque marquée par la guerre, la déshumanisation et la dévalorisation de la vie humaine, les artistes répondent à l'indifférence par des gestes qui exigent d'être vus et accueillis. L'église n'est pas seulement un décor, mais un élément vivant de cette rencontre.

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