L'éternellement jeune Britannique : David Hockney célèbre la vie et son art

Un ciel bleu acier sans nuages, un bungalow minimaliste et bas, deux palmiers à côté, et au premier plan l'eau bleu-vert d'une piscine avec plongeoir. La scène peinte est déserte, mais les éclaboussures et l'écume qui s'en dégagent indiquent clairement que quelqu'un vient d'entrer et de s'immerger dans l'eau douce.

Son tableau « A Bigger Splash » de 1967 et d'autres scènes au bord d'une piscine l'ont rendu célèbre, voire populaire. Aujourd'hui, le peintre David Hockney nous rappelle qu'il est loin d'être réduit à de telles choses : une exposition majeure lui est consacrée à la Fondation Louis Vuitton à Paris.

Le Britannique, né en 1937 à Bradford (West Yorkshire), près de Leeds, a reçu carte blanche de l'institution culturelle située en bordure du Bois de Boulogne pour présenter surprise après surprise sur pas moins de quatre niveaux de son spectaculaire bâtiment Frank Gehry. Du sous-sol au toit, Hockney, 88 ans, présentera des œuvres couvrant sept décennies, mais principalement ses œuvres les plus récentes, dans onze salles parfois gigantesques.

L'exposition surpasse toutes les précédentes de l'artiste, du moins par son ampleur. Les journaux français ne tarissent pas d'éloges, et la BBC peine à conserver son sang-froid britannique. La meilleure publicité, cependant, vient de la régie du métro parisien, qui aime généralement la publicité.

Aujourd'hui, c'est leur rejet de l'affiche soumise qui fait la une des journaux : une photo de l'artiste fumant devant un autoportrait, une cigarette allumée. Hockney, fumeur passionné, une sorte d'Helmut Schmidt de l'art, ne serait pas « amusé » par cette réaction dans la patrie des Gaulois et des Gitans.

Hockney luttait déjà contre l'intolérance avant même l'avènement du wokisme. Cet artiste à l'éternelle jeunesse, souvent vêtu de couleurs vives et amoureux de la vie, accueille les visiteurs sur la façade avec le slogan en néon « Do remember, they can't cancel the spring ». Ce slogan est celui d'un hédoniste qui s'est fait un nom à Londres pendant les « Swinging Sixties ».

En tant que peintre militant, et avant même que le terme « coming out » ne devienne populaire, Hockney a démontré ce qui lui tenait personnellement à cœur. Il a abordé l'homoérotisme et l'homosexualité avec subtilité mais clarté en 1961 avec « We Two Boys Together Clinging » et en 1963 avec « Two Men in a Shower ».

Bien que la vaste exposition « David Hockney 25 » ne se présente pas comme une rétrospective, elle se concentre sur les œuvres des 25 dernières années. Grâce notamment au soutien des commissaires expérimentés Suzanne Pagé et Sir Norman Rosenthal, elle réunit 400 œuvres : peintures et dessins, traditionnellement réalisés au pinceau, à la palette et à la plume, ainsi que sur ordinateur ou tablette, et des installations vidéo.

Dès le début, Hockney n'était pas un adepte de l'abstraction. Malgré sa popularité dans les années 1950, ou peut-être à cause de sa popularité, il peignit son père en 1955 dans un style figuratif, modérément moderniste, utilisant le noir, le brun et le beige. Une scène de rue lugubre de 1956 paraît nettement plus déprimante. Étudiant à l'école d'art locale de Bradford, il entra au Royal College of Art de Londres en 1959 et commença à ajouter plus de lumière et de couleur à ses scènes figuratives, ainsi qu'à y incorporer des motifs de tissus. À l'époque, il utilisait encore la peinture à l'huile, mais la remplaça rapidement par l'acrylique.

De même, il change de lieu de résidence, vivant plusieurs années à Los Angeles, puis à Paris, plus tard dans l'est de son Yorkshire natal, et enfin en Normandie, avant de s'installer à Londres en 2023. Les grandes villes avec leurs musées lui ont fait découvrir l'art ancien de différentes époques et l'ont inspiré à dialoguer avec des maîtres célèbres, tandis que les paysages des USA, d'Angleterre et de France lui ont révélé la nature et ses charmes parfois simples.

Si de nombreux portraits et natures mortes sont également exposés, l'exposition met l'accent sur les paysages. Dans une salle, les lumières sont tamisées pour laisser place à une série de scènes nocturnes, sublimées par le clair de lune scintillant. Hockney est visiblement et sincèrement fasciné, avant tout, par les champs couverts de meules de foin, les sentiers tortueux et les routes de campagne sinueuses ; il représente des arbres noueux en hiver, en fleurs au printemps et portant des fruits, comme des poiriers, en automne. Son choix de cadrage et de perspective est saisissant. De loin, Monet et l'impressionnisme résonnent, mais dans les tableaux aux couleurs les plus intenses, c'est surtout le Bonnard tardif qui est mis en avant.

Ses explosions de couleurs évoquent la joie de vivre, et souvent même l'humour. Sa polyvalence est remarquable et sa créativité prend sans cesse de nouvelles dimensions. L'émerveillement ne faiblit jamais, notamment parce que Hockney s'est toujours intéressé aux nouveaux médias électroniques et a apporté de nombreuses réponses à la question de leur utilisation. Ainsi, des peintures classiques alternent de manière inattendue avec des écrans diffusant des images en mouvement, documentant la création d'une œuvre.

"The Rain" est une vidéo en boucle continue : devant un paysage peint, des traits rapides et denses imitent en permanence les gouttes qui tombent d'une forte averse, comme si nous la regardions tomber par une fenêtre.

Hockney apprécie l'illusionnisme et le jeu avec l'image dans l'image, ce que l'on appelle techniquement la « mise en abyme ». Dans une œuvre, par exemple, nous contemplons une pièce jonchée de chaises et de personnes, où un miroir mural reflète tout. D'autres fois, il réfracte, multiplie et répète les images au moyen de vastes arrangements – des panneaux ou des écrans étroitement juxtaposés, par exemple, en trois larges bandes de six images chacune.

Bien que la dramaturgie du spectacle repose sur des éléments de surprise, le spectateur est toujours frappé par le final, lorsque Hockney l'invite dans une salle obscure animée par des projections et des sons. Les images animées mises en musique par Puccini, Wagner et Richard Strauss, par exemple, s'inspirent de ses décennies de travail sur les décors, commencé en 1975 avec une production de « Rake's Progress » de Stravinsky. « Nous avons besoin de plus d'opéra », déclare-t-il, « c'est plus grand que nature. »

L'exposition la plus récente date du début de l'année : l'autoportrait avec image dans l'image, visible sur l'affiche photographique incriminante. On y voit le peintre assis dans un coin de jardin, lunettes jaunes sur le nez, un stylo dans une main et une cigarette dans l'autre. Vêtu d'une chemise blanche, d'une cravate rouge et d'un costume à motifs jaunes et rouges, Hockney porte le badge « End end bossiness soon » (fin bientôt autoritaire) à son revers de veste.

« David Hockney 25 », Fondation Louis Vuitton, Paris, jusqu’au 31 août, catalogue 49,90 euros.