Exhibe el MAM la obra geométrica, abstracta y sinuosa de Kasuya Sakai

▲ La obra Come out, 1976, forma parte de la exposición.Foto cortesía del Inbal

Merry MacMasters

Periódico La JornadaViernes 13 de junio de 2025, p. 2

El Museo de Arte Moderno (MAM) cuenta en su acervo con siete pinturas de gran formato de la serie Ondulaciones que produjo en México, en 1976, el artista argentino de origen japonés Kasuya Sakai (1927-2001). Ese año, la serie se exhibió en el recinto con el título Pinturas: Ondulaciones cromáticas y simultáneas. De corte geométrico, el conjunto de acrílicos se muestra actualmente en la sala Fernando Gamboa.

La mayoría de las obras llevan por título el nombre de una composición sonora y de su autor, en particular del ámbito del jazz y la música experimental: All Set for Jazz Ensemble Milton Babbit; Bohor II: Iannis Xenakis; Corona: Takemitsu; Agartha II: Miles Davis-Doris Day; Come Out Steve Reich, y Bugakg I y II. En su país natal, Sakai fue, entre otras cosas, locutor de radio. Dentro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura fue programador y conductor de emisiones de radio especializadas en jazz.

De acuerdo con el equipo curatorial del MAM, Sakai yuxtapone sensorial y conceptualmente música y pintura dando lugar a una experiencia sinestésica, vivencia estética que dialoga con la arquitectura del edificio, sus espacios circulares y su forma de interconectar las salas de exhibición con el exterior inmediato.

El trabajo artístico de Sakai se sitúa en la tendencia estética que en los años 70 el crítico de arte Clement Greenberg denominó abstracción pospictórica. Es decir, un lenguaje plástico posterior al expresionismo abstracto que anula toda representación o reminiscencia gestual en pro de una pintura lisa basada en el color, las formas geométricas, el espacio y la manera en que éste interfiere en la percepción de los espectadores. Entre los artistas que destacaron inicialmente en esta corriente se menciona a los estadunidenses Frank Stella y Kenneth Noland. En América Latina sobresale el argentino Julio Le Parc, más asociado al op-art y el arte cinético.

En las pinturas de la exposición, Sakai crea variaciones cromáticas y fluctuantes a partir de bandas sinuosas, los círculos centrales que éstas delinean y un fondo monocromático. Las composiciones recuerdan partituras listas para ser interpretadas.

A Sakai se le vincula con el movimiento de la Ruptura en México, ya que llegó en 1965 y permaneció hasta 1977, cuando se trasladó a Dallas. Sin embargo, es considerado pionero del arte geométrico en el país, estilo que desarrolló aquí y desencadenó toda una corriente dentro del arte mexicano. El geometrismo busca establecer una nueva relación con el espectador por medio del interés centrado en el fenómeno de la percepción.

Hacia 1973, Sakai revisitó la obra del maestro japonés Ogata Körin (1658-1716). A partir de su estudio e interpretación comenzaron a aparecer en su pintura las características bandas paralelas y ondulantes que transitan sobre grandes planos de color. Fue durante su estancia en México que Sakai poco a poco se alejó de lo gestual en favor de las composiciones con formas geométricas angulares, atravesadas por rayas y campos de colores intensos.

Sakai nació en Buenos Aires, sus padres eran japoneses y en 1934 lo llevaron a estudiar a Tokio, donde cursó hasta completar la universidad. En 1951 regresó a Argentina, donde comenzó a trabajar de manera sistemática en la difusión de la cultura japonesa. Después de emigrar por una breve temporada a Estados Unidos, en un momento culminante del arte pop, Sakai se trasladó a México contratado como profesor por El Colegio de México. En México fue parte del equipo fundador de la revista Plural.

Otra exposición en el MAM incluye obra de Sakai, la colectiva La aparición de lo invisible: Arte no figurativo en México, 1948-1978, que muestra el acrílico Pintura no. 5 (1968), de estilo muy diferente a Ondulaciones, aunque no deja de distinguirse por eludir toda referencia sentimental o autorreferencial, para dar cabida a una pintura en la que sólo operan el color, la geometría y su relación con el ojo del espectador.

El título de la exhibición proviene del libro publicado en 1968 por el crítico Juan García Ponce, La aparición de lo invisible. Surgió de la inquietud del escritor de hablar sobre la acción de las obras y los ecos que despiertan, como una forma de evidenciar la relación entre el arte y el espectador.

Kazuya Sakai: Ondulaciones permanecerá hasta el domingo en el Museo de Arte Moderno (Paseo de la Reforma esquina Gandhi, primera sección, Bosque de Chapultepec). La aparición de lo invisible: Arte no figurativo en México, 1948-1978, concluirá el 31 de agosto.

Ángel Vargas

Periódico La JornadaViernes 13 de junio de 2025, p. 3

Latas, botellas de vidrio, cubetas, tapones de automóviles viejos y hasta un tambo de basura se convertirán en instrumentos musicales este fin de semana en la sala Nezahualcóyotl.

El trío de percusiones Barra Libre, acompañado por la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (Ofunam), interpretará Garbage concerto (Concierto para basura reciclada y orquesta), del canadiense Jan Jarvlepp (Ottawa,1953).

La obra, compuesta hace tres decenios, forma parte del cuarto programa de la segunda temporada del año de la agrupación universitaria, dedicada al eje temático Medio ambiente y música: Reciclaje.

La ocasión servirá para conmemorar el 200 aniversario del nacimiento de Johann Strauss II (1825-1899), con la obertura de su opereta El murciélago. El cartel cerrará con la Cuarta Sinfonía de Piotr Ílyich Chaikovski (1840-1893).

En un acontecimiento histórico, ésta será la primera vez que un ensamble 100 por ciento femenino interpretará en América Latina esta obra de Järvlepp, quien celebra con ella la sostenibilidad y la creatividad sonora mediante objetos reciclados.

Su estreno mundial fue en 1996, en Canadá, mientras en nuestro país, en los albores de la década pasada, estuvo a cargo de Tambuco ensamble de percusiones de México.

Participar en este concierto es una gran responsabilidad y también un privilegio. Una de nuestras misiones como grupo es posicionar a las mujeres intérpretes y compositoras, subraya Gabriela Orta, integrante junto con Maribel Pedraza y Kaoru Miyasaka de Barra Libre desde 2013.

Esta actuación, según la percusionista, encierra además un significado muy personal para todas ellas, al permitirles participar no sólo como intérpretes, sino también llevar un mensaje más allá de la música: la importancia de cuidar del medio ambiente.

“Nos sentimos privilegiadas y emocionadas. En mi caso, soy recicladora. De estudiante junté latas durante tres años para poder comprar mi marimba, que es la que usamos todavía en el ensamble. Entonces, es una oportunidad muy significativa: hacer música con ‘basura’, de alguna manera, cierra un círculo.”

Maribel Pedraza cuenta que Garbage concerto surgió de la experimentación juvenil de Jarvlepp con objetos cotidianos que habían sido ya desechados: “Empleó botellas de vidrio y de plástico, latas, tapones metálicos de autos viejos, cajas. Con la ayuda de su padre construyó varios instrumentos caseros.

Su propósito no fue únicamente reutilizar basura en la música, sino indagar en novedosas texturas sonoras que sólo pueden obtenerse con la combinación de una orquesta sinfónica tradicional y esos instrumentos poco convencionales.

Orta y Pedraza destacan en entrevista que la ejecución de esta pieza representa un enorme desafío, no sólo para conseguir los objetos idóneos, sino para lograr las sonoridades plasmadas en la partitura.

Hay que poner los instrumentos a modo, afinarlos. El segundo de los tres movimientos (de la obra) es muy interesante: suena como un brindis misterioso, porque es con botellas afinadas en cinco tonalidades. Es una obra innovadora: es maravilloso cómo puede obtenerse algo tan genial de lo que era inservible.

La preparación de este concierto para basura reciclada y orquesta ha sido un proceso difícil. Las intérpretes, además de tener comunicación constante con el compositor, han pasado cuatro meses recolectando y probando materiales: Las latas se rompían, las cubetas no sonaban bien. Hasta hoy, seguimos ajustando las baquetas y las alturas.

Sin embargo, al mismo tiempo, ha sido una experiencia interesante y enriquecedora, aseguran, pues hasta la fecha, al explorar con esos peculiares instrumentos, siguen descubriendo sonoridades.

Una de las características de la obra es que en ciertos pasajes el sonido puede resultar incluso escandaloso, apuntan. Sin embargo, la técnica es tan precisa, tan amable, que el reto es que no moleste, que sea música, no ruido.

Para las integrantes de Barra Libre −a las que en esta ocasión se unirá como invitada Monserrat Cruz, para conformar un cuarteto−, el Garbage concerto es una demostración de que se puede hacer música con todo.

A veces uno es el que se pone los límites. Pero si hay apertura, así como disposición a arriesgar e ir contra los estereotipos, los resultados pueden ser muy ricos y diversos. La creatividad es infinita, añaden.

“Nuestro amigo y mentor Ricardo Gallado –director de Tambuco– siempre ha dicho que la percusión no tiene límites, que siempre sigue creciendo el repertorio y que a los percusionistas nos ponen a hacer lo que sea, hasta tocar con los zapatos.”

Con la dirección del serbio Srba Dinic como batuta invitada, los conciertos de la Ofunam serán mañana a las 20 horas y el domingo a las 12 del mediodía en la sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria).

▲ En esta rama de la iniciativa Original participan más de 250 creadores de 26 estados del país.Foto Yazmín Ortega Cortés

Reyes Martínez Torrijos

Periódico La JornadaViernes 13 de junio de 2025, p. 3

El primer Encuentro de Arte Decorativo y Utilitario, parte de la iniciativa Original, se inauguró ayer en el Complejo Cultural Los Pinos. Con la participación de más de 250 creadores de 26 entidades del país, se trata de la una reunión piezas y decenas de relatos de las culturas que materializaron en ellas sus ideas y el trabajo de generaciones de artistas.

Hasta el próximo domingo, el recinto albergará la oferta de más de 30 mil piezas y representantes de 23 culturas originarias del país en alfarería, cerámica, madera, barro, fibras vegetales y vidrio. También habrá talleres, espectáculos escénicos y cocina tradicional.

Claudia Curiel, titular de la Secretaría de Cultural federal, resaltó la importancia de este encuentro, dirigido a lograr comercio ético y justo para las creaciones tradicionales, por lo tanto, fue enfática en exhortar a no regatear el precio de las piezas.

Auguró que el próximo año se convertirá en el encuentro más grande del país y de América Latina, debido a la visita de extranjeros que vendrán para el Mundial de Futbol. Hacemos ese compromiso de volver el epicentro donde se pueda ver la riqueza cultural de nuestro país.

En los estands se puede apreciar el colorido, el trazo y materiales de la cerámica, la transmisión de historia que materializan en las piezas, sus brillos, alturas e incluso olores. Las texturas, los planos verticales y horizontales en que fueron manufacturadas. Hay animales, motivos abstractos, temas religiosos y utensilios de cocina. La imaginación en pleno en objetos pequeños y hasta los de más de un metro. Un universo de relatos.

Ahí están los artistas disponibles y orgullosos de contar los significados de las obras que presentan, las técnicas que fueron heredando y a las que algunos les adosaron un sentido personal a través de la investigación de nuevos materiales o variaciones en la forma de elaborarlos.