Lentejuelas y bolas con Arbasino

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“Ya en los años cincuenta, cuando asistía a la Academia de Bellas Artes de Roma, inscrita en el curso de escenografía, comencé a dibujar bocetos de vestuario para representaciones teatrales como “El Cid” de Pierre Corneille o Las Fourberies de Scapin de Molière, que aún conservo en los archivos de la Fundación”, cuenta Giosetta Fioroni. Estamos con ella en Roma, en su histórico estudio en el corazón de Trastevere. La Fundación Goffredo Parise y Giosetta Fioroni , presidida por Davide Servadei y de la que el artista es presidente honorario, "nació en 2018 del fuerte deseo que sentí de proteger la personalidad intelectual y artística de mi compañera de vida y al mismo tiempo unir nuestros caminos de trabajo en una asociación virtuosa en nombre de la organicidad y la valorización" . Hija de Mario Fioroni, escultor, y de Francesca Barbanti, pintora y titiritera, escribe en la monografía que hace unos años le dedicó Germano Celant, editada por Skira, Fioroni nació la Nochebuena de 1932. No fue sólo pintora. La suya es una historia fascinante de mundos, pueblos y civilizaciones, contenida en un corpus de obras (dibujos, bocetos, esculturas y pinturas) donde hay una continua comparación entre la sociedad de costumbres y el cuento de hadas, la industria cultural y los juegos infantiles, una 'verdad' que es siempre 'representación', un espectáculo con el que establecer una relación afectuosa.

Los colores, las formas, los lápices y las tijeras siempre han sido mi pasión, quizás también por cierta afición a la profesión de mi madre, pero la primera gran e inolvidable experiencia para mí fue la puesta en escena de «Carmen» en el Teatro Comunale de Bolonia en 1967, con Alberto Arbasino como director, Vittorio Gregotti como escenógrafo, Roland Barthes como apuntador y yo, precisamente, como diseñador de vestuario . Una obra que pasó a la historia también por el fracaso que fue en su momento: se representó entre abucheos y protestas. Recuerdo una escalera plateada en el escenario, pelotas de ping pong, redes metálicas y grandes lentejuelas de diez centímetros de diámetro», añade. Los trajes que imaginé entonces no solo se confeccionaban con esas bolas, sino también con poliestireno, gomaespuma, satén y plástico. Las formas y los colores aludían con símbolos simplificados a los temas de la pintura de la época. Los lunares, los signos, las rayas, los adornos y el maquillaje, todo era estilizado. Fue un acontecimiento importante, que varios años después fue recordado por Luisa Laureati, quien le dedicó una exposición en la Galleria dell'Oca de Roma. Mientras nos habla, nos mira a los ojos y nos estrecha la mano: es un cariño que tiene un sabor antiguo y que se une a los gestos sencillos y a las palabras que dirige a la directora de la Fundación, Giulia Lotti, y a su inseparable colaborador Tristan Panustan.

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Siempre para Arbasino, Fioroni ilustró el libro “Luisa col vestito” (Emae Edizioni, 1978), creando un vestuario que reflejaba y recordaba la habitación de su infancia con muñecas y juguetes en miniatura, Caperucita Roja, una balilla cubierta con un friso, tréboles de cuatro hojas secos y plumas de pájaros multicolores que Fioroni solía colocar en disfraces y vestidos. Uno de sus proyectos recientes se tituló “Vestiti”, «otro momento de mi producción en el que sentí una profunda conexión con el mundo del vestuario. Un conjunto de obras creadas en la Bottega Gatti de Faenza que representan a las heroínas literarias a través de sus ropas, figuras femeninas identificadas por sus prendas. En ese caso también, entrelacé pintura, escultura, formas y colores modelados en la tela».

Estas figuras –Ottilia, Isadora y Electra– expresan con su sensualidad y brillantez, elegancia y belleza su rechazo a cualquier operación que pueda despojarlas de su propia identidad . Son cuerpos en los que la “carne” es cerámica, un material animado por fuerzas de una energía interior que crea un arte poderoso, emotivo, instintivo, reflexivo y lúcido. Un arte donde la apariencia se entrelaza con el ser como ocurrió hace años trabajando para Valentino: “Una experiencia”, recuerda, “que nace precisamente de una referencia al vestuario de aquella “Carmen””. En aquel momento, Maria Grazia Chiuri y Pierpaolo Piccioli, ambos entonces directores creativos de la maison de Piazza Mignanelli, «dieron nueva vida al proyecto, creando un puente entre el pasado y lo contemporáneo», con su «productiva y rica imaginación y capacidad interpretativa». Inspirada en aquellos bocetos de 1967, a los que se añadieron símbolos que luego se volvieron recurrentes en mi producción, como corazones, estrellas, árboles y casas. Todo, o casi todo, partió de su armario, en la casa al otro lado del Tíber. Un espacio en sí mismo, lleno de vida y recuerdos, una extensión de mí misma. “Me encanta la ropa elegante”, sonríe, “siempre caracterizada por un detalle inusual que habla de mi personalidad. Nunca faltan bufandas de colores vivos y vestidos con líneas originales. También me fascinan mucho las prendas de inspiración asiática e india, confeccionadas con tejidos finos, decoradas con motivos florales que parecen reflejar la curiosidad y el sentido de asombro infantil que he conservado a lo largo del tiempo”.

Dice que «a Goffredo, con un ojo para los detalles exquisito, le encantó ese vestuario. Recuerdo muy bien cuando me vio por primera vez, en 1963, en el Caffè Rosati. Siempre recordaría mi traje blanco y negro con estampado de rombos. Me observaba sentado en el borde de la silla, casi con ironía, pero fascinado. Le impactó mi andar ligeramente alborotado y saltarín. Tenía una personalidad muy original, irónica e impertinente, impredecible y ágil. No se dejaba influenciar por nada, salvo por su creatividad. Siempre lo recuerdo con un cigarrillo en la mano, directo e incisivo, con esa curiosidad inagotable, y evitando el aburrimiento, siempre buscando algo que pudiera sorprenderle». Se conmueve, pero luego las lágrimas, aunque con dificultad, dejan paso a una sonrisa recién descubierta y a los colores que están por todas partes en su estudio, desde el gran teatro hasta la maravillosa "Stanza delle acque", el baño/estudio diseñado por Luigi Scialanga que es un lugar oriental y onírico al mismo tiempo donde puedes estar, descansar, bañarte, hablar y soñar rodeado de paredes que son como hojas de papel donde puedes escribir y contar tu historia a tu vez.

Saliendo de allí, encontramos el largo pasillo con fotos de sus amigos, dibujos, otras obras y otros colores: los suyos. El que más me pertenece es, sin duda, el plateado . Se ha vuelto tan mío, tan estrechamente ligado a mi nombre. También me encantan el azul y el rojo, colores fuertes y decididos que me permiten comunicar emociones precisas y vivas, y dialogar con el espectador. Una narración que es una herramienta para reivindicar una integridad basada en la fusión entre cuerpo y espíritu, consciente e inconsciente, personal y público donde le gustaba y le gusta, como a todos, “Mirar, mirarse, ser mirada”, citando el subtítulo de “Speculum” —su exposición del año pasado en la Galería M77 de Milán, comisariada por Cristiana Perrella, nueva directora del Museo Macro de Roma—: “Una exposición en la que resumí a la perfección este deseo continuo mío de explorar diferentes puntos de vista: mirar fuera de mí y explorar el mundo, mirar dentro de mí, a través de los autorretratos que he expuesto y finalmente ser mirada, acoger la mirada de los demás. Siempre me ha interesado este juego de miradas, este intercambio de perspectivas; basta con pensar en la “Spia Ottica” de 1968”. Se trata de una obra simbólica suya que hace años el artista Francesco Vezzoli le encargó reconstruir para su exposición en la Fundación Prada. Una mujer (entonces llamaba a su amiga actriz Giuliana Calandra) fue espiada a través de un agujero en la pared en su vida diaria y ella se aburrió, se levantó, se maquilló y se vistió. “Fue una performance literaria, porque existía la idea de entrar en un libro o una obra de teatro donde todo se encoge y se ve como en una especie de linterna mágica con movimientos que parecían más lentos”.

Otra forma de hacer arte que, para Giosetta Fioroni, «es una forma de conocimiento profundo, una forma de cuestionar la realidad y las emociones. Para mí», añade, «debe siempre suscitar preguntas y provocar reflexiones. No puede ser solo decoración, porque es un lugar de encuentro, de confrontación con uno mismo y con los demás». Que en un lugar como el que estamos, frecuentado por ella todos los días, aunque sea solo por unas horas o minutos quizás en el hermoso jardín elevado con el césped siempre verde, las flores y las esculturas, nunca falte entre exposiciones, eventos e iniciativas. “Mi trabajo, que es por lo que me gustaría ser recordado.”

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