El arte de la fe: más allá de las instalaciones en iglesias desacralizadas

Muchos lugares de culto, dedicados a la oración en siglos pasados, albergan ahora instalaciones artísticas. ¿Se han convertido las iglesias, antaño abarrotadas de fieles, ahora a menudo vacías, en los nuevos templos de la contemporaneidad? Durante siglos, la religión ha imbuido la cultura europea de una espiritualidad compartida: no solo fe, sino también orden simbólico y político . Con Carlomagno, coronado emperador por León III, el Imperio se convirtió en el «Sacro Imperio Romano Germánico», y durante siglos la Iglesia fue un elemento central de la identidad europea. Hoy, esa cohesión se ha perdido. La devoción se ha fragmentado, lo sagrado se ha retirado de la liturgia compartida para resurgir en formas privadas, intermitentes y subjetivas. Y mientras Europa lucha por mantenerse unida —entre la invasión de Ucrania, el resurgimiento del nacionalismo y el impulso proteccionista de la América de Trump—, el arte contemporáneo vuelve a cruzar el umbral de lo sagrado, pero hablando otro idioma.

El taller interdisciplinario “Esto no es una iglesia”, una exploración del papel que los edificios religiosos pueden tener en el futuro urbano del Ruhr

Es en este contexto que se enmarca uno de los proyectos más interesantes de cara a la próxima Bienal Nómada Europea de Arte Contemporáneo, Manifesta 16. Se celebrará en la región del Ruhr, en Alemania, en 2026, un antiguo distrito minero y siderúrgico en transformación, una región que demuestra cómo la cultura puede convertirse en un motor de renacimiento para zonas marcadas por la desindustrialización. Como actividad preparatoria de la exposición se creó un laboratorio de escucha y planificación compartida: el taller interdisciplinario This Is Not a Church , organizado con la TU Dortmund, una de las principales universidades técnicas de Alemania, coordinado por Josep Bohigas . Bohigas, arquitecto y urbanista catalán, es el primer mediador creativo de Manifesta 16 , un rol híbrido que combina creatividad, planificación urbana y mediación cultural. Estudiantes, arquitectos, vecinos y profesionales locales participaron en una exploración colectiva del papel que los edificios religiosos, hoy a menudo abandonados o reutilizados, pueden desempeñar en el futuro urbano del Ruhr.

Miles de residentes han participado en un proceso de codiseño que culminará en una convocatoria abierta de iniciativas artísticas y sociales locales. Esta gobernanza de abajo hacia arriba, que caracteriza a Manifesta , tiene como objetivo restaurar la dimensión comunitaria del arte y el ritual de participación. Este enfoque coloca el área local en el centro de la programación artística, haciendo de la Bienal no solo un evento expositivo, sino un proceso social y cultural continuo. El proyecto destaca un hilo conductor en muchas ciudades europeas donde las iglesias, una vez centrales para la vida social y espiritual, ahora están en crisis: cerradas, abandonadas, reutilizadas . Pero no borradas. El taller planteó una pregunta fundamental: ¿en qué pueden convertirse estos edificios, en el corazón de las comunidades, hoy en día, en una era en la que la religión ha perdido su centralidad pero la búsqueda de significado y pertenencia sigue viva? El objetivo no es transformar lo sagrado en un museo, sino reescribir sus límites: buscar nuevos lugares de conexión y coexistencia, comenzando por los espacios que preservan su memoria .

En muchas ciudades del Ruhr, las iglesias se encontraban en el corazón de barrios construidos a medida, anticipando el modelo de la "ciudad de cinco minutos": lugares donde el culto, los servicios y las relaciones coexistían en un espacio accesible e integrado. Recuperar estos edificios hoy significa revivir una verdadera "revolución de la proximidad", centrada en la reactivación de las funciones sociales de estos espacios. Este modelo evoca la experiencia de los oratorios italianos, nacidos de la intuición de Don Bosco a mediados del siglo XIX: espacios educativos y sociales, además de religiosos, centrales para los encuentros juveniles. Una referencia histórica que, a pesar de su distancia, puede sugerir prácticas comunitarias actuales. Desde Alemania, que hoy cuestiona sus espacios religiosos, hasta la época medieval que dio voz a una de las figuras más radicales del misticismo cristiano, lo sagrado vuelve a ser un tema de actualidad. La primavera pasada, en la Bienal de Arte de Venecia, el Archivo Histórico dedicó un proyecto especial.

La Bienal de la Palabra , dedicada a Meister Eckhart, místico dominico nacido en Turingia y contemporáneo de Dante. Pensador liminal, capaz de despojar el lenguaje teológico de silencio y visión, Eckhart fue juzgado por herejía y algunas de sus tesis fueron condenadas como sospechosas. Sin embargo, muchos de los filósofos contemporáneos más importantes, como Heidegger, se han inspirado en las cumbres de su pensamiento porque «la contemporaneidad es la capacidad de generar futuro», como afirmó Pietrangelo Buttafuoco, presidente de la Bienal de Venecia. El comentario de Meister Eckhart al Evangelio de Juan se convirtió en una representación coral dirigida por Antonello Pocetti, representada en el Portego delle Colonne de la Scuola Grande di San Marco, actual Hospital Civile SS. Giovanni e Paolo. La escenografía de Antonino Viola, los vídeos de Andrew Quinn y el sonido de Thierry Coduys transformaron el proyecto en una obra multimedia. Los actores —Federica Fracassi, Leda Kreider y Dario Aita— alternaron entre el latín y el italiano, acompañados por el canto gregoriano del coro de la Capilla Marciana. El público, reunido en una plataforma que evocaba la schola cantorum medieval, se vio envuelto por palabras, imágenes y sonidos, inmerso en un espacio atemporal donde lo antiguo y lo contemporáneo se reflejaban mutuamente.

En este contexto, se abre un camino paralelo, uno que ha recibido menos atención mediática que dos grandes eventos culturales internacionales como la Bienal y Manifesta , pero no por ello menos relevante. Es el camino del arte contemporáneo que entra en iglesias que aún están concurridas y abiertas al culto. Aquí, el artista se involucra con el ritual, la comunidad y la presencia cotidiana. Estas no son instalaciones decorativas ni gestos simbólicos, sino obras que habitan el tiempo litúrgico, interactuando con la expectativa, el silencio y el umbral entre lo visible y lo invisible. Una práctica más discreta, pero quizás por esta razón, más radical. En Europa, el experimento tiene profundidad histórica: en 1949, Matisse diseñó la Chapelle du Rosaire en Vence, en la Riviera Francesa. Aquí, vidrieras, mosaicos, alta liturgia y objetos sagrados convergen en una obra total que aún existe hoy como un lugar de oración dirigido por monjas dominicas, la última obra maestra espiritual del maestro. En Estados Unidos, uno de los ejemplos más famosos se encuentra en Nueva York, creado a finales de la década de 1970 por Louise Nevelson, quien diseñó la Capilla del Buen Pastor dentro de la Iglesia Luterana de San Pedro: un oasis íntimo y aislado de madera blanca, diseñado no para impactar, sino para ofrecer una contemplación silenciosa. Nevelson explicó: «Si las personas pueden experimentar un momento de paz, lo llevarán consigo...», demostrando una concepción radical del arte como espacio interior, no como representación.

Unos años antes, en Houston, Texas, los coleccionistas John y Dominique de Menil encargaron al renombrado artista abstracto Mark Rothko la creación de un santuario secular dedicado a la meditación y la inspiración. Rothko supervisó de cerca cada detalle del diseño arquitectónico: desde la forma geométrica del edificio hasta la calidad de la luz, diseñada para interactuar con sus obras . En el centro de la capilla hay catorce grandes lienzos pintados en tonos profundos y oscuros, que no están expuestos a la vista pero que atraen al espectador, como espacios interiores para ser recorridos . La capilla fue creada como un lugar sagrado pero también como un centro comunitario, y todavía alberga reuniones, lecturas y programas dedicados a los derechos humanos y la justicia social. A lo largo de los años, ha acogido a Nelson Mandela y al Dalai Lama, entre otros. Incluso hoy, después de la restauración tras los daños del huracán Beryl el año pasado, la Capilla Rothko sigue siendo un centro para la comunidad, con programas centrados en cuestiones interreligiosas y sociales.

La iglesia de St. James en Piccadilly exhibe regularmente obras de artistas contemporáneos. No es solo una galería, sino un espacio vibrante.

En pleno corazón de Londres, junto a la Real Academia de las Artes, la iglesia de St. James en Piccadilly se ha consolidado como una auténtica "Iglesia de los Artistas", albergando regularmente obras de artistas contemporáneos como parte de un programa dedicado a la creatividad en todas sus formas. En una metrópolis donde construir comunidad no es algo natural, la unión entre arte y liturgia se convierte en una oportunidad para el encuentro y la reflexión cívica. Por ejemplo, en 2022, la iglesia encargó una obra permanente en el santuario al artista Jesse Darling —quien ganaría el premio de arte británico más importante, el Premio Turner, al año siguiente—, pero la presencia artística se extiende más allá, a lo largo de todo el ciclo litúrgico, en diálogo con el espacio sagrado. No es una galería, sino un espacio vivo, donde la estética no interrumpe el ritual: lo enriquece, lo cuestiona y lo hace contemporáneo. Las tensiones entre el arte contemporáneo y la liturgia no son un descubrimiento, pero hoy parecen revelar algo nuevo. Donde la Iglesia exige orden, el arte propone fractura; donde el ritual se repite, la obra se fragmenta. Pero es precisamente en esta brecha, en esta incompletitud, donde puede surgir otra forma de diálogo: no conciliado, sino vivo. Quizás desde esta misma perspectiva, que acepta el conflicto como una posibilidad generadora, deba entenderse también el creciente interés del Vaticano por el arte contemporáneo y sus lenguajes. En la última Bienal de Arte de Venecia, por ejemplo, se instaló el Pabellón de la Santa Sede en la Giudecca, dentro de la cárcel de mujeres: un proyecto basado en un diálogo directo entre reclusas y artistas, que dio forma a un modelo de arte «a través de mis ojos», basado en la palabra, la mirada y el testimonio vivido dentro de la prisión.

El Departamento de Cultura del Vaticano ha promovido "Conciliazione 5", una "galería callejera" comisariada por Cristiana Perrella

Este año, con motivo del Jubileo 2025, el Dicasterio para la Cultura, presidido por el Cardenal de Mendonça, ha promovido Conciliazione 5, una galería callejera a lo largo de la Via della Conciliazione que conduce a San Pedro, comisariada por Cristiana Perrella. Hace unas semanas se instaló una obra del artista italoalbanés Adrian Paci, inspirada en la famosa frase del poeta inglés John Donne, escrita en 1624: «Ningún hombre es una isla». Una declaración que resuena hoy como un llamado a la interconexión, al reconocimiento del otro como parte de un todo único. En Palermo, la relación entre el arte contemporáneo y el patrimonio sacro ha adquirido desde hace tiempo formas originales, arraigadas en el tejido urbano y la historia de la ciudad . Un ejemplo destacado es la inauguración pública de los oratorios barrocos decorados por Giacomo Serpotta, promovida por los Amigos de los Museos Sicilianos hace más de veinte años por iniciativa de Bernardo Tortorici di Raffadali. Entre estos lugares extraordinarios se encuentra el Oratorio de San Lorenzo, marcado por la pérdida de la Natividad de Caravaggio, robada en 1969. Una ausencia transformada en oportunidad: cada año, se le pide a un artista contemporáneo que cree una nueva versión, como gesto simbólico de reparación. En 2024, la obra fue confiada a Michelangelo Pistoletto. Siguiendo este espíritu, la Fundación Capillas Ghenie —promovida por Alessandra Borghese en 2022 con el apoyo del padre Giuseppe Bucaro— ha restaurado tres capillas para el culto gracias a las intervenciones permanentes del artista Adrian Ghenie. Dos, en la iglesia de la Madonna della Mazza, están dedicadas a los nuevos mártires contemporáneos y al padre Pino Puglisi; la tercera, en Santa Ninfa ai Crociferi, reinterpreta a Santa Rosalía como símbolo de la identidad de la ciudad. No se trata de simples instalaciones, sino de presencias vivas, capaces de reactivar la relación entre arte, espiritualidad y comunidad.

En Palermo, la Fundación RIV inauguró la exposición colectiva “Spazio Umano”, intensificada por la riqueza de San Mamiliano

Hace unas semanas, la recién formada Fundación RIV debutó en la capital siciliana con la exposición colectiva Spazio Umano, celebrada en la iglesia de San Mamiliano, dentro del complejo monumental de Santa Cita (o Santa Zita, patrona de Lucca). La presencia de esta singular santa en el corazón de Palermo evoca el asentamiento de los comerciantes de Lucca en el siglo XIV, vestigio de una historia de intercambios y conexiones que ahora se reactiva en el contexto del arte contemporáneo. El proyecto, concebido por Gianluca Collica y Patrizia Monterosso, reunió a doce artistas de diferentes generaciones y procedencias —Adalberto Abbate, Francesco Balsamo, Tony Cragg, Francesco De Grandi, Aziz Hazara, Francesco Lauretta, Urs Lüthi, Rabih Mroué, Dala Nasser, Mimmo Paladino, Hans Schabus y Alberto Scodro— en un diálogo con el espacio sagrado. RIV nació como un proyecto curatorial que reflexiona sobre la condición humana contemporánea y forma parte de una red más amplia de experiencias activas en Sicilia, expandiéndose allí donde la marginación cultural es mayor. La relación entre el arte y el lugar se intensifica por la rica naturaleza multifacética de la iglesia: las obras renacentistas de Antonello Gagini, diseñador de la tribuna de mármol y el arco de la capilla, permanecen in situ, junto a la barroca Capilla del Rosario, decorada con preciosos mármoles mixtos que dramatizan simultáneamente la gloria terrenal y la inevitable transitoriedad de la vida. En este contexto, las obras contemporáneas no buscan conexiones fáciles, sino espacios abiertos para la escucha y la atención . En una época marcada por la guerra, la deshumanización y la pérdida del valor de la vida humana, los artistas responden a la indiferencia con gestos que exigen ser vistos y acogidos. La iglesia no es un mero telón de fondo, sino una parte viva de este encuentro.

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