Eine zeitgenössische griechische Tragödie

Im Laufe der Jahrhunderte haben viele Autoren, vor allem Dramatiker, griechisch-lateinische Mythen aufgegriffen und Figuren und Legenden aus dem klassischen Griechenland übernommen, um zu erzählen, was ihnen unserer Meinung nach widerfahren ist, und um ihre Heldentaten in Metaphern für die Männer und Frauen von heute zu setzen.

Am häufigsten wurden Ödipus, Antigone, Prometheus, Medea und Ikarus gewählt. Andere wiederum haben über Jahrhunderte hinweg die Nebenrolle eingenommen, die ihnen die jeweiligen Autoren zuweisen wollten. Vor einigen Jahren beschlossen der Schriftsteller Manuel Tirado und der erfahrene Bühnenregisseur und Romanautor Francisco Suárez, Klytaimnestra, die Mutter von Iphigenie, Elektra und Orest, als tragische Frau darzustellen, die in der Lage ist, die Last eines großen Mythos auf ihren Schultern zu tragen.

2016 führten sie „Der letzte Kampf“ auf, mit Tirado als Autor eines Textes, den Suárez adaptierte und inszenierte. In diesem Monat wurde das Stück vor dem Start seiner Tournee durch Spanien im neuen Theater Dau al Sec in Barcelona (ein Hinweis auf den Namen der Avantgardebewegung und die Lage des Raums) mit einem neuen Schauspieler, Damià Plensa, wiederaufgeführt. Dieser bedient sich der Tradition des japanischen Theaters, leidende Frauen zu spielen, und verwandelt sich in eine Klytaimnestra in Unterwäsche, die eine Art Bademantel trägt und im japanischen Stil gekleidet ist, zutiefst verzweifelt, betrunken, süß, kokett, verwirrt und bestürzt, rachsüchtig und wütend, in doppelter Hinsicht arrogant, eifersüchtig, abscheulich und mörderisch (die bekannte Geschichte wird hier nicht verraten).

In seiner Transmutation hypnotisiert Plensa, Sohn des bekannten Bildhauers, mit einer Geschichte voller Widersprüche, wie sie nur jemand zeigen kann, der gleichzeitig leidenschaftlich liebt und hasst und von Eifersucht verzehrt wird.

In diesem Sinne ist es wichtig, einen Mann zu sehen, der einen Schmerz interpretiert, der von jeder Identität aus so tief empfunden werden kann, obwohl der Regisseur des Stücks die Tatsache, dass es sich um einen Mann handelt, als festes Bekenntnis dazu ansieht, sexistischen Missbrauch aus der Autorität einer männlichen Stimme heraus anzuprangern, und er fügt hinzu: „Das ist das Spiel. Es ist kraftvoll, dass er als Mann anprangert, was den Frauen angetan wird. Er ist kein Transvestit oder femininer Mann, er ist ein Schauspieler, der eine Frau verkörpert, die sagt: ‚Alle glücklichen Frauen sehen gleich aus, aber unglückliche Frauen sind auf unterschiedliche Weise unglücklich.‘“ Durch mein Leben mit Schmerzen bin ich zu einer Frau mit dem Herzen eines Mannes geworden. Man kann davon ausgehen, dass man das auch so sehen kann, was dieses Spektakel voller Anspielungen auf unsere Kultur sicherlich noch bereichert, mit Sätzen, die im kollektiven Gedächtnis haften bleiben, von Namen wie Almodóvar, Goya, Lope de Vega oder auch dem markanten Vers von Caballero Bonald , den der Regisseur beigesteuert hat: „Wir sind nur die Zeit, die uns noch bleibt.“

Und wie in jeder guten griechischen Tragödie fehlt es nicht an einem Chor von Frauen, die das Geschehen beeinflussen, hier vertreten durch Lieder von Chavela Vargas, Olga Guillot, Omara Portuondo und Mayte Martín, die allesamt an fehlender Liebe, Verlassenheit und unmöglichem Vergessen zugrunde gehen. Obwohl der Soundtrack zu Beginn Bernardo Bonezzis Eröffnungsthema für „Frauen am Rande des Nervenzusammenbruchs“ enthält und am Ende das Thema, das der Komponist Bernard Herrmann hinter Hitchcocks Rücken für „Psycho“ komponiert hat und das einen sehr passenden Titel für den Film von 1960 und für dieses kleine Theaterjuwel hat: „Der Mord“. Bei dieser Gelegenheit handelt es sich um Agamemnon, König von Mykene und Anführer des Trojanischen Krieges, damals Ehemann von Klytaimnestra, die ihn töten muss, weil sie den Tod ihrer Tochter Iphigenie rächen muss (obwohl das Werk dieser Tatsache nicht viel Bedeutung beimisst) und viele andere schwerwiegende offene Rechnungen begleichen muss.

Das Stück erinnert stellenweise an Jean Cocteaus „Die menschliche Stimme“ , weil beide vom Schmerz des Verlassenwerdens handeln und weil in diesem Fall die Stimme eines Mannes zu hören ist, was für manche Inszenierungen von „Die menschliche Stimme“ wünschenswert gewesen wäre, da man heute weiß, dass Cocteau über den Verlust seiner Geliebten schrieb.

Die letzte Schlacht (natürlich die des Agamemnon ) ist ohne Zweifel auch ein Kampf zwischen Schauspieler und Regisseur, aus dem beide unbeschadet hervorgehen, was sicherlich an der Zurückhaltung und der guten Arbeit beider liegt, die sich nicht von offensichtlichen Dingen haben mitreißen lassen, auf die der eine oder andere leicht hereinfallen könnte. Vor allem wenn man bedenkt, dass die Figur (hoffentlich nicht der Schauspieler) eine ganze 700ml-Flasche guten Whiskys mit 40% Volumen trinkt (verifiziert).